Les 100 meilleurs films des années 1970

De The Exorcist à Eraserhead, des épopées Blaxploitation aux superproductions, des films The Godfather aux aventures se déroulant dans une galaxie très, très lointaine - nos choix pour les plus grands films de la plus grande décennie du cinéma américain

Dans le sens des aiguilles d'une montre à partir de la gauche : "Eraserhead, The Godfather : Part II", "The Exorcist", "Star Wars" et "Blazing Saddles". COLLECTION EVERETT, 7

C'était la décennie qui nous a donné des films de minuit, des superproductions modernes, des épopées de Blaxploitation, des néo-noirs et la crème de la nouvelle récolte d'Hollywood. Les "Film Brats" étaient en pleine floraison, et après que le système de studio ait laissé entrer les barbares barbus, le public a été doué de ce qui semblait être une nouvelle vision magnifique et sombre de la vie américaine sur une base hebdomadaire. Plus tard, les boxeurs, les adolescents cyclistes, les enfants de baseball et les joueurs de hockey en panne prouveront que parfois, les outsiders gagnent même s'ils ne gagnent pas réellement. Ce sont les années où nous avons appris à avoir peur des requins, des slashers masqués et des jeunes cracheurs de soupe aux pois. (En toute honnêteté, juste pour Regan MacNeil, le diable l'a forcée à le faire.)

Il y a une raison pour laquelle les années 1970 sont idolâtrées, fétichisées et constamment nommées par plusieurs générations de cinéphiles : l'abondance de grands films qui sont sortis au cours de cette période de 10 ans, en particulier (mais pas exclusivement) de cinéastes américains. En repensant au deuxième âge d'or d'Hollywood alors que ce groupe d'écrivains tentait de lutter avec la notion des 100 meilleurs films des années 1970, il est ahurissant de penser à tant de choses que nous considérons maintenant comme les points forts d'un encore jeune- ish forme d'art est née de cette petite poche de temps. Notre seul regret est de ne pas avoir porté cette liste à 200, voire 300 titres. (Oubliez ça, Jake - c'est une question de date limite.)

Voici nos choix pour les plus grands films sortis de cette ère fertile du cinéma, des entreprises familiales dirigées par des parrains aux contes dans une galaxie très, très lointaine. Vous ne serez pas d'accord avec tous ces choix, mais j'espère que vous revisiterez chaque film de cette liste et trouverez quelque chose de nouveau dans ces documents d'une décennie de films sauvages, loufoques et étranges. Pour citer un sage : "C'est l'heure du spectacle, les amis !"

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Il y avait des "films de minuit" avant la version grand écran du spectacle ironique de Richard O'Brien, assemblé à partir des pièces détachées de doubles longs métrages de science-fiction, de théâtre musical et de passages soulignés de "Notes on Camp". Mais cela viendrait à la fois définir et affiner tout le concept de cultes du cinéma, transformant ses projections après les heures de travail en rassemblements de cosplay interactifs conçus pour une expérience communautaire. O'Brien lui-même est Riff-Raff, l'homme à tout faire bossu qui initie les innocents perdus Barry Bostwick et Susan Sarandon dans un monde de monstres, de geeks et de fluidité sexuelle ; leur résistance est, bien sûr, futile. Et qui a besoin du Dr Frankenstein quand vous avez le Dr Frank-N-Furter, le savant fou emblématique de Tim Curry dans des filets de pêche et un homme capable de vous faire frissonner d'anticipation. C'est assez pour vous faire croire que la libération n'était qu'un saut vers la gauche - puis un pas vers la droite - loin. —David Fear.

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Rencontrez Tony Manero, 19 ans, originaire de Bay Ridge à Brooklyn. Pendant la journée, cet homme ordinaire de l'extérieur de l'arrondissement vend de la peinture et se chamaille avec sa famille italo-américaine. Mais quand le soleil se couche et que les lumières de la discothèque locale s'allument, Tony est un dieu. Le film de John Badham est si étroitement associé à l'engouement pour le disco de la fin des années 70 que si vous regardez le mot dans le dictionnaire, vous verrez simplement une photo de John Travolta en costume blanc, la main droite pointant vers le ciel. C'est le film qui a transformé le gamin de Welcome Back, Kotter en une véritable star, tout en vendant l'Amérique traditionnelle sur ce qui avait été principalement une culture de club underground et en donnant aux Bee-Gees un sérieux coup de pouce secondaire. Les scènes de danse sont de telles capsules temporelles cinétiques que vous oubliez presque à quel point le reste du film est granuleux et sombre, et que c'est vraiment une histoire de passage à l'âge adulte sur un gars qui dépasse ses amis crétins, son quartier et son propre ensemble limité de options. Juste, tu sais, regarde ses cheveux, ok ?! Il y travailla longtemps. —DF

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Situé en 1964 à l'apogée du mouvement des droits civiques et marqué par le catalogue arrière dynamique de Motown, ce conte de passage à l'âge adulte suit un groupe de jeunes lycéens noirs à Chicago - dirigé par le poète en plein essor Preach (Glynn Turman) et son Cochise (Lawrence Hilton-Jacobs), meilleur ami lié à l'université - à travers une série de hijinks d'adolescents (se faufiler hors de la classe, se battre lors de fêtes à la maison). À un moment où la plupart des films de Blaxploitation attiraient le regard du public vers des histoires de sexe, de crime et de drogue, le réalisateur Michael Schultz (Car Wash) a tourné son attention vers la riche vie intérieure de ces jeunes hommes noirs. Ce pivot vers leur lien d'amitié n'a pas seulement distingué Cooley High des films plus sensationnalistes avec lesquels il partageait l'espace d'écran; il a pratiquement redéfini la perception de ce que pourrait être un film noir au cours de la décennie. —Robert Daniels.

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Orson Welles est à son plus glissant dans ce film d'essai, car il importe son don pour raconter des histoires pleines de prunes sur le circuit des talk-shows dans un format de long métrage. Il commence par se concentrer sur le faussaire d'art notoire Elmyr de Hory, pour revenir en arrière et transformer les débats en une méditation sur la nature de la vérité elle-même, ainsi que sur les mythes que nous nous racontons pour donner un sens à nos vies. Pendant ce temps, le partenaire de Welles - l'énigmatique Oja Kodar - se profile à l'arrière-plan, à la fois habillé et non habillé. C'est un délicieux voyage en tête et un rappel qu'un regard impartial sur son riche catalogue donne plus que le plus grand film de tous les temps. Même en tant que petit bijou, F for Fake brille de mille feux dans son catalogue. —Mosi Reeves.

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Le romancier, dramaturge, réalisateur et acteur Bill Gunn a créé Ganja & Hess à l'invitation d'une société cinématographique indépendante désireuse de commercialiser un film de blaxploitation. Mais sa symphonie résultante d'héritage afro-caribéen, de rituels vaudous, de culpabilité chrétienne, d'allusions homoérotiques et de tension sexuelle n'a pas répondu au désir de ses bailleurs de fonds d'un vampire noir proche de Blacula. L'intrigue est centrée sur Hess Green (Duane Jones, qui a également joué dans un autre chef-d'œuvre d'horreur, Night of the Living Dead), un anthropologue qui boit le sang d'un assistant (joué par Gunn) qui s'est suicidé. Il tombe alors amoureux de la femme de son assistant Ganja (Marlene Clark) lorsqu'elle vient enquêter. Le travail de caméra unique et les visuels criards de Gunn en font autant un film d'art qu'une horreur indépendante; il a reçu des critiques élogieuses au Festival de Cannes de 1973 et est maintenant reconnu comme un classique. -M

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Il y a tous les autres films stoner sur les autoroutes du désert, puis il y a Vanishing Point. Le vétéran de Twilight Zone, Richard C. Sarafian, a réalisé un film de minuit qui pourrait donner à n'importe qui un buzz de contact. Barry Newman est Kowalski, le conducteur solitaire, au volant d'une Dodge Challenger en mission à grande vitesse pour atteindre San Francisco. Les flics sont-ils à leurs trousses ? Rencontre-t-il une communauté rock Jésus-freak? Voit-il une vision mystique d'un motard hippie blond chevauchant sa Harley nue sur les riffs de guitare de "Mississippi Queen" ? Oui, oui, et évidemment. Son seul guide : Cleavon Little en tant que DJ radio aveugle Super Soul, saluant Kowalski comme "le dernier héros américain… la dernière belle âme libre sur cette planète !" Son rap DJ a été mis en musique par Guns N Roses ("Breakdown") et Primal Scream ("Kowalski") - un hommage à l'impact de ce méta-road flick. —Rob Sheffield

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Sept ans après la rébellion de Watts déclenchée par la mort de Martin Luther King Jr, un concert mettant en vedette les artistes de Stax Records a eu lieu au Los Angeles Memorial Coliseum. Son but était de soigner la région. "Je suis quelqu'un", prononcé fièrement par Jesse Jackson, est devenu son cri de guerre. Le documentaire émouvant du réalisateur Mel Stuart diffère des chroniques similaires d'émissions mémorables comme The Last Waltz, car il ne s'agit pas vraiment des artistes en vedette (tels que les Staples Singers, Rufus Thomas, Isaac Hayes, entre autres). Au lieu de cela, son intérêt découle du fait de donner la parole et d'être témoin des conversations pointues entre les Noirs sur le colorisme, les rencontres interraciales et le Blues. C'est le seul film de concert qui dit aux Noirs "vous êtes quelqu'un" dans chaque plan. —RD

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Pendant un instant, essayez d'oublier vos sentiments à propos de Woody Allen en 2023 et remontez dans le temps jusqu'en 1977 – quand Annie Hall a bouleversé les notions de comédie romantique avec son mélange d'adresse directe à la caméra, de cuisine de homard et de malaise existentiel . Ce chef-d'œuvre oscarisé plonge son public dans la psyché névrosée de l'alter-ego d'Allen, Alvy Singer, alors qu'il tombe sous le charme du flibbertigibbet WASP éponyme interprété par Diane Keaton. En partie une étude de l'assimilation juive américaine et en partie la saga de tomber amoureux et de tomber amoureux, Annie Hall est encore plus que la somme de ses morceaux parfaits. Et, oui, les morceaux sont toujours délicieux, du tour effrayant de Christopher Walken en tant que frère terrifiant d'Annie à l'éternuement de cocaïne. Mais c'est la mélancolie qui en a fait le modèle à suivre pour tant de cinéastes dans les années à venir. Et, bien sûr, il y a Annie de Keaton elle-même, une femme de rêve avec une âme profonde sous tous ses la di das. — Esther Zuckermann.

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Les débuts époustouflants de Joan Micklin Silver sur les immigrants juifs du Lower East Side ressemblent presque à un artefact d'un autre temps – pas des années 1970, pour être clair, mais de la fin du 19e siècle quand cela se passe. Tourné en noir et blanc et parlé souvent en yiddish, Hester Street commence comme l'histoire de Jake (Steven Keats), anciennement Yankel, un homme qui croit s'épanouir dans sa nouvelle maison de New York. Mais la perspective change habilement et de manière déchirante à l'arrivée de sa femme, Gitl (Carol Kane). Jake est dégoûté par ses anciennes habitudes et veut qu'elle s'assimile… juste pas assez pour qu'elle abandonne sa place dans la maison. Ses instructions contradictoires sont cruelles, mais Gitl n'est pas l'image limitée de Jake d'une femme américaine. Au lieu de cela, elle s'adapte à son environnement à sa manière. Silver cède le film à l'incroyable performance de Carol Kane, nominée aux Oscars, et l'acteur habite Gitl avec une inquiétude écarquillée comme si elle aussi venait d'arriver dans ce pays. —EZ

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L'été du bicentenaire de 1976 a été une saison de pointe pour un jeune fan de baseball : le meilleur lanceur du jeu était le gamin aux cheveux longs de Detroit, Mark "The Bird" Fidrych, tandis que le film le plus en vogue était The Bad News Bears. La comédie de Michael Ritchie mettait en vedette une équipe de la Petite Ligue remplie d'enfants inadaptés qui jurent comme des Marines, mais c'est l'un des films de sport les plus précis émotionnellement – ​​et les plus drôles – jamais réalisés. Walter Matthau a le rôle de sa vie en tant que Buttermaker, le connard ivre qui ronge les cigares et qui entraîne une équipe parrainée par Chico's Bail Bonds. ("Let Freedom Ring!") Mais les Bears commencent à gagner lorsqu'ils obtiennent une lanceuse, Tatum O'Neal, ainsi que Jackie Earle Haley, délinquante chevauchant Harvey. Chaque enfant ici est devenu un héros culte : Lupus, qui répare les martinis de l'entraîneur. Engelberg, qui lui dit que conduire avec une bouteille de whisky ouverte est illégal. ("Alors, c'est le meurtre, Engelberg. Maintenant, remets ça avant que tu ne m'attires de vrais ennuis.") Ogilvie, le premier geek des statistiques de baseball de la culture pop, à une époque où Bill James envoyait encore son résumé de son garage. Et Tanner, qui a essentiellement inventé la génération X au moment où il a dit à l'équipe rivale : "Hey Yankees, vous pouvez prendre vos excuses et votre trophée et vous les mettre dans le cul !" Même les suites battent au-dessus de la ligne Mendoza. —RS

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C'est l'ultime comédie bon vieux garçon frit du Sud, le plus Burt Reynoldsian des films des années 1970 de Burt Reynolds (ce qui veut dire quelque chose), et le Citizen Kane de Redneck Cinema. Une légende dans les cercles de bootlegger, le Bandit et son partenaire "Snowman" (musicien country Jerry Reed) sont embauchés pour transporter un camion de bière Coors illégale - non, vraiment - de Texarkana à Atlanta en un peu plus d'une journée. Selon la chanson thème de Reed, ils "ont un long chemin à parcourir et peu de temps pour y arriver", ce qui est compliqué par la mariée en fuite de Sally Field et un groupe de "smokeys" sur leur piste. Le cascadeur et copain de longue date de Reynolds devenu réalisateur Hal Needham a non seulement puisé dans le charme inhérent et le timing comique de sa star, il s'est également rendu compte que la combinaison de poursuites en voiture, de culture de camionneur et d'humour de niveau Hee-Haw (abandonnez pour Buford T de Jackie Gleason . Justice) serait un enfer d'un triplé de film drive-in. Le film était DOA à sa sortie jusqu'à ce que quelqu'un chez Universal décide de se concentrer directement sur le marché du théâtre du Sud – à quel point le film a décollé plus vite que les soldats de l'État à la poursuite d'un Trans Am à grande vitesse. —DF

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Le seul long métrage de la scénariste-réalisatrice-actrice Barbara Loden est centré sur une femme qui vient de quitter son mari et de perdre son emploi à l'usine. Elle fait ensuite équipe passivement avec un petit escroc, passant de tabouret de bar à banquette arrière avec la résignation d'un prisonnier qui ne rêve plus de s'évader. C'est le portrait d'un esprit brisé qui était sombre même selon les normes de l'époque. (Le scénario de Loden a suscité peu d'intérêt, c'est pourquoi elle a fini par le réaliser elle-même ; c'est un film sur quelqu'un paralysé par les attentes de la société, réalisé par quelqu'un paralysé par les attentes de la société.) cinéma indépendant, objet de fascination pour les écrivains et cinéastes intrigués par la courte vie et l'extraordinaire sens de l'humanité de Loden. —Katie Rife.

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Pour un bref mais beau "1-2-3-4!" moment, les Ramones étaient des stars de cinéma. Rock 'n' Roll High School, c'était Joey, Johnny, Dee Dee et Markie, balançant leur propre A Hard Day's Night en cuir noir. Comme l'enfant moyen n'avait aucun espoir d'entendre les Ramones à la radio, encore moins au CBGB, le film d'exploitation du réalisateur Allan Arkush était la drogue d'entrée pour d'innombrables fans. (Un grand bravo à Siskel & Ebert, qui lui ont donné un coup de pouce hey-ho let's-go quand personne d'autre ne l'a fait.) ), "Je suis une adolescente lobotomisée !" Centrer le film autour de la fangirl féministe était un geste prophétique, c'est pourquoi c'était un texte sacré pour la révolution riot-grrrl de 1990, jusqu'à "I Wanna Be Your Joey Ramone" de Sleater-Kinney. Il culmine avec un set live flamboyant où Da Bruddas frappe "Blitzkrieg Bop" et "She's The One"; pour l'apogée, ils aident Riff à faire sauter l'école. Gabba gabba hey! —RS

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François Truffaut est sorti d'une enfance difficile pour devenir un cinéaste extrêmement sensible aux périls auxquels sont confrontés les enfants et aux façons dont le monde profite des innocents et des vulnérables. Cela fait de Small Change, une tranche de vie parmi les enfants de la ville française de Thiers, une pièce avec des films Truffaut antérieurs comme Les 400 coups et L'Enfant sauvage. C'est particulièrement vrai lorsqu'il se concentre sur l'histoire de Julien (Philippe Goldmann), un garçon dont les abus passent d'abord inaperçus auprès de ses professeurs et camarades de classe. Mais Truffaut fait de l'histoire de l'enfant une partie d'une tapisserie qui mélange le fantasque et le doux-amer en tissant une variété d'expériences d'enfance. C'est un tour de force à petite échelle. —Keith Phipps.

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Sam Peckinpah nous offre une ode élégiaque au western, avec Kris Kristoffersen dans le rôle du hors-la-loi aux yeux fous et James Coburn dans le rôle du shérif cynique engagé pour abattre son vieil ami. Le cinéaste a également choisi une âme sœur : Bob Dylan, autre poète de la mythologie américaine, dans son premier rôle dramatique. Dylan joue un vagabond rusé nommé Alias, à portée de main avec une guitare ou un cran d'arrêt. (Alias ​​quoi? "Alias ​​tout ce que vous voulez.") C'est pratiquement La dernière valse des westerns, plein de renégats battus par la route. La chanson signature : "Knockin' on Heaven's Door" de Dylan, jouant le rôle du flingueur mourant Slim Pickens assis au bord de la rivière avec sa femme Katy Jurado, deux légendes du genre regardant ce long nuage noir descendre. Dans une histoire tristement typique, le studio a totalement bâclé la version de Peckinpah – il a fallu attendre la coupe du réalisateur de 1988 pour que Pat Garrett soit reconnu comme l'un de ses chefs-d'œuvre. —RS

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Dans le dernier grand film de Michelangelo Antonioni, Jack Nicholson incarne un journaliste entreprenant, David Locke, tellement déterminé à couvrir une révolution au Tchad qu'il assume à la hâte l'identité d'un trafiquant d'armes décédé à son hôtel. Locke s'immisce dans sa propre histoire alors qu'il suit la piste que le mort a laissée derrière lui, se mettant en danger en se liant d'amitié avec une femme (Maria Schneider - ici présentée uniquement comme "The Girl", puisque c'était encore les années soixante-dix sexistes) qui part en fuite avec lui. Le passager dans le titre pourrait bien être le spectateur qui doit donner un sens à qui est bon et qui est mauvais dans ce thriller nuancé et convaincant qui bénéficie de la lenteur des révélations d'Antonioni. —Kory Grow.

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Bienvenue au dîner de Luis Buñuel, où vous pouvez sortir à tout moment, mais vous ne pouvez jamais manger. Le chef-d'œuvre de fin de carrière du cinéaste espagnol rassemble un groupe de gens de la classe moyenne supérieure - un who's who des stars internationales du milieu des années 70, dont Delphine Seyrig, Jean-Pierre Cassel, Bulle Ogier, Stéphane Audran et Fernando Rey - pour une soirée. Lorsqu'ils ne sont pas préparés à leur servir de la nourriture, ils partent tous à la recherche d'un repas commun, pour rencontrer des terroristes, des évêques, des soldats qui racontent des histoires de fantômes et des rêves dans des rêves dans des rêves. Curieusement, aucun d'entre eux ne peut manger un morceau n'importe où. Buñuel a toujours été le chaînon manquant entre André Breton et Monty Python, et cette comédie de mœurs arrogante se sent toujours comme sa distillation la plus parfaite entre le satirique et le surréaliste. Bon appétit. —DF

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Le riff néo-noir d'Arthur Penn est une œuvre par excellence du Nouvel Hollywood : une pièce de genre classique, avec une nouvelle couche de peinture et une sensibilité contemporaine, sans parler d'une fin décevante. Dans ce cas, le genre était le film policier dur, mais notre détective (Gene Hackman, à son meilleur) est un ancien athlète cocu, frustré, perpétuellement déçu dont le code personnel profondément ressenti est autant un anachronisme que sa profession peu recommandable. . Un échange de dialogue résume non seulement le film, mais la décennie en général : lorsqu'on lui demande qui gagne le match de football qu'il regarde à la télévision, Hackman répond avec lassitude : "Personne – un côté perd plus lentement que l'autre." —Jason Bailey.

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Le cinéaste italien Federico Fellini s'est souvent inspiré du puits de ses expériences formatrices, mais sans doute jamais aussi efficacement qu'il l'a fait dans ce regard sur sa jeunesse dans les années 1930 à Rimini, où les enfants se déchaînent, les citadins se font des farces, tout le monde convoite le local les beautés et les chemises noires de Mussolini commencent à se glisser, lentement mais sûrement, en province. Il est à la fois nostalgique du passé et prudent de le sentimentaliser, combinant un regard effrayant sur la montée du fascisme avec des vignettes impliquant des parents mentalement instables, des traditions locales loufoques et un propriétaire de tabac extrêmement excité et plantureux. Cela a défini le modèle pour presque tous les films "souvenirs" à suivre, et vous pouvez voir son ADN dans tout, de Roma à Armageddon Road. Et c'est une excellente introduction au style singulièrement surréaliste, rêveur et mondo trop mûr – une esthétique qui a plus que valu au cinéaste son propre adjectif de "Felliniesque". —DF

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Certains films traitent l'idée que "vous blessez toujours ceux que vous aimez" comme une pensée passagère - la parabole caustique et coupante de Rainer Werner Fassbender sur les masochistes amoureux en fait un mantra. Le réalisateur allemand incroyablement prolifique s'est surpassé avec cette adaptation de sa propre pièce, sur une créatrice de mode (Margit Carstensen) qui tombe follement amoureuse d'un mannequin (Hanna Schygulla) et continue de les faire vivre l'enfer. La dynamique du pouvoir entre le couple se déplace constamment d'avant en arrière ; pendant ce temps, la femme de chambre silencieuse de Petra (Irm Hermann), elle-même folle de son employeur, en témoigne et vaque à ses occupations quotidiennes. Ça finira dans les larmes, et mon Dieu, seront-ils amers. Vous ne pouviez pas trouver un meilleur exemple de gratter la surface cynique et ironique de Fassbinder et de trouver le romantique saignant en dessous. Ni, d'ailleurs, une utilisation plus dévastatrice du "The Great Pretender" des Platters. —DF

Si Mel Brooks venait de sortir Blazing Saddles en 1974, dayenu. (Pour la lecture goyim, cela signifie : "cela aurait suffi".) Au lieu de cela, en un an, il nous a donné à la fois ce classique et cette parodie parfaite des films d'horreur universels, un double coup dur d'hommages loufoques à l'acte même d'aller au cinéma. . Le petit-fils du légendaire docteur Victor Frankenstein Frederick Frankenstein (Gene Wilder) — ça se prononce « frah-ken-steen » — s'aventure en Transylvanie pour reprendre le domaine de sa famille. Il rencontre toutes sortes de personnages effrayants, tels que Frau Blücher [Horse sound], et finit par se lancer dans l'entreprise familiale. Les gags ne sont pas seulement des gagnants loufoques ("Quelle bosse?"), Mais ils démontrent également la profonde vénération de Brooks pour le cinéma, en particulier dans ce cas le canon des films monstres des années 1930. Le film est également la preuve de la croyance de Brooks dans le pouvoir de monter un spectacle – ou plutôt, "Puttin 'on the Ritz" – tant que rien ne va mal et effraie le monstre. —EZ

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Les grandes épopées n'étaient plus à la mode dans le Nouvel Hollywood des années 70, mais la grandeur cinématographique était bel et bien vivante à Taïwan. La première heure du chef-d'œuvre du roi Hu joue comme une combinaison de conte de fées et de western à l'ancienne, racontant l'histoire de l'artiste provincial Ku Shen Chai (Chun Shih) et sa romance timide avec la princesse en fuite Yang Hui-ching (Feng Hsu). Ensuite, le jeu d'épée entre en jeu et le film se déroule dans un conte d'arts martiaux transcendant et passionnant. Ses scènes de combat de ballet et son message féministe ont influencé des réalisateurs comme Ang Lee et Zhang Yimou, le confirmant comme une pierre angulaire du genre wuxia. —KR

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La dynamo giallo parfaite pour Pantone de Dario Argento peut toucher aux maisons hantées, aux sorcières et à d'autres tropes d'horreur clichés. Mais la façon dont il présente la terreur que l'étudiante en ballet Suzy Bannion (Jessica Harper) rencontre dans un internat effrayant vous donne l'impression d'être dans un cauchemar avec elle. Lorsqu'un personnage est poignardé au cœur, vous voyez un gros plan d'un couteau percer un cœur battant; idem pour les asticots et les barbelés du scénario. Tout au long, le groupe de rock Goblin crée sa propre raquette infernale en transformant un thème de boîte à bijoux de ballerine en l'une des partitions d'horreur les plus obsédantes et inoubliables. Vous ne regardez pas Suspiria - vous le sentez. -KG

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Vous pouvez entrevoir les empreintes digitales de l'adaptation par Joseph Sargent du roman de Peter Godey sur tout, de Reservoir Dogs à Die Hard, mais par-dessus tout, c'est l'un des grands films de New York. Lorsque M. Blue (Robert Shaw) annonce aux passagers du centre-ville 6 que lui et ses trois complices armés prennent leur train et les retiennent en otage, cela provoque le genre de rire perplexe que l'on ne peut avoir qu'à New York. Et ce n'est qu'à New York que leur complot se dénouera aux mains d'un agent des transports en commun comme Zachary Garber (Walter Matthau); sa mauvaise manière de chevet, sa garde-robe froissée et son visage comme un gant de receveur fournissent une distraction de type Columbo pour les prouesses d'investigation – pleinement révélées dans l'un des meilleurs plans de clôture de tout le cinéma américain. —JB

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Même dans une année qui a apporté des plats aussi farfelus que The Holy Mountain d'Alejandro Jodorowsky et Belladonna of Sadness d'Eiichi Yamamoto, la parabole hallucinante des droits de l'homme de René Laloux se démarque. Ce film d'animation est étrangement séduisant, et pas seulement parce que les imposants humanoïdes bleus Draag et leurs animaux de compagnie Oms ressemblant à des humains sont fréquemment déshabillés. Il est rempli de créatures bizarres ressemblant à des calmars, et l'animation est rigide et rigide, évitant l'expressivité fluide du film Disney. Pendant ce temps, la célèbre partition de jazz-funk d'Alain Goraguer passe en arrière-plan, faisant ressembler les débats à une satire à la Jonathan Swift. Fantastic Planet est l'œuvre la plus célèbre de Laloux; l'animateur français a réalisé plusieurs courts métrages et deux autres longs métrages (notamment Gandahar en 1987) avant sa mort en 2004. —MR

La façon la plus simple de décrire cette expérience douloureusement poignante et désinvolte d'Errol Morris est qu'il s'agit d'un documentaire impassible sur les cimetières pour animaux de compagnie, avec des entretiens avec les propriétaires et les exploitants d'une entreprise défaillante et d'une entreprise florissante. Mais ce film est finalement beaucoup plus. C'est un examen franc des héritages familiaux, parsemé de portraits saisissants de la façon dont l'optimisme américain naïf alimente la machinerie du succès. Et c'est une tranche de vie qui est encadrée comme une œuvre d'art, avec des plans qui sont précisément arrangés et ornés d'accessoires accrocheurs, puis peuplés de gens qui deviennent philosophes - pas seulement sur les chats et les chiens, mais sur le différences subtiles entre la vie et la mort. —Noël Murray.

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La bombe incendiaire blasphématoire de Ken Russell est le rare exemple d'un film qui a effectivement été supprimé par les pouvoirs en place. (Le film n'a été projeté publiquement sous sa forme non coupée qu'en 2004.) L'assaut d'images dépravées et profanes est le principal coupable de ses danses avec les censeurs, en grande partie liés à la performance de bravoure de Vanessa Redgrave en tant qu'abbesse perverse qui accuse le playboy d'Oliver Reed. prêtre de la sorcellerie. Mais les implications politiques de l'histoire - une critique virulente de la corruption et de l'hypocrisie parmi les soi-disant autorités morales - sont tout aussi dangereuses. Dans la vision de Russell, le célibataire est le pécheur et le libertin le saint, une inversion aussi provocante que la scène souvent tronquée où Redgrave suce la plaie latérale du Christ. —KR

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Presque toutes les idées absurdes présentées dans le scénario de Golden Age du créateur de la star de la télévision Paddy Chayefsky sont devenues d'une vérité troublante à l'ère de Fox News. Peter Finch et Faye Dunaway ont tous deux remporté des Oscars pour leurs rôles respectifs : un présentateur dont la dépression nerveuse à l'antenne (y compris l'emblématique "Je suis fou comme l'enfer, et je ne vais plus supporter ça !") se transforme d'une manière ou d'une autre lui en « le prophète fou des ondes » ; et un cadre de réseau sociopathe qui fera tout, jusqu'à et y compris l'assassinat, pour gonfler les cotes d'écoute. Réalisé par Sidney Lumet et mettant en vedette d'autres magnifiques performances de William Holden, Robert Duvall, Ned Beatty et Beatrice Straight (qui a remporté un Oscar pour une scène !), Network est aussi hilarant que effrayant. Ce qui a commencé comme une satire s'est plutôt avéré être une prophétie. —Alan Sepinwall.

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Cette comédie de hockey ressemble au point de démarcation entre la jeune et belle phase de star de cinéma de Paul Newman et sa phase d'acteur de personnage patiné (mais toujours magnifique). Il joue Reg Dunlop, joueur-entraîneur d'une équipe de ligue mineure défaillante dans une ville sidérurgique mourante, qui tente d'augmenter la fréquentation avec un nouveau style de jeu incroyablement violent – ​​mené par les frères Hanson, simplistes et impitoyables. Écrit par Nancy Dowd et réalisé par George Roy Hill, Slap Shot se penche de manière hilarante sur les personnalités brutes des hommes des cavernes de Reg et de ses coéquipiers, avec Newman jouant son rôle sans la moindre trace de vanité, et le mélange de blasphème et de comédie physique en fait le plus drôle. film de sport jamais. -COMME

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Ce film policier britannique historique marque le moment où les drames scéniques du cinéma britannique des années 60 se sont coagulés en une brutalité glorieusement brutale. Il trouve le gangster londonien Michael Caine en train de retourner dans sa ville natale de Newcastle pour résoudre la mort mystérieuse de son frère par empoisonnement à l'alcool, un voyage qui se termine par des balles et du sang. Le réalisateur et scénariste Mike Hodges a basé Get Carter sur le roman pulp de Ted Lewis, Jack's Return Home, et il remplit l'écran de scènes d'extérieurs gris et nuageux et de malaise de la classe ouvrière, et chaque personnage semble avoir un traumatisme secret. En son centre se trouve Caine, qui semble irradier un calme précaire qui ne rompt qu'avec la violence. -M

©UNIVERSAL/COLLECTION EVERETT

L'un des premiers films américains à jeter un regard froid et dur sur les conséquences de notre implication au Vietnam, le lauréat de l'Oscar du meilleur film en 1978 suit un trio de sidérurgistes – joué par Robert De Niro, Christopher Walken et John Savage – qui s'enrôlent dans l'armée pour combattre outre-mer. Tous trois deviennent prisonniers de guerre. Deux rentrent chez eux avec des blessures physiques et des cicatrices psychiques ; l'un reste dans le pays, revivant son traumatisme de prisonnier de guerre chaque nuit. L'épopée de Michael Cimino est surtout connue pour les séquences intenses du Viet Cong les forçant à jouer à des jeux déchirants de "roulette russe". Mais vu maintenant, c'est la première moitié du film qui reste vraiment avec vous, dans laquelle ces jeunes hommes et leurs copains de chasse boivent, traînent, parlent de la merde et se lâchent lors d'un mariage. Vous avez une idée réelle de la communauté des cols bleus de cette petite ville et de la camaraderie des hommes, ce qui ne fait que rendre le passage brusque aux champs de la mort encore plus choquant (imaginez regarder Diner et que quelqu'un passe soudainement la chaîne à Apocalypse Now à mi-chemin). Pourtant, cela reflète parfaitement le sentiment de désorientation violente que ces gars américains traversent à 'Nam, et l'aliénation que ressent le personnage de De Niro après son retour à la maison. C'est aussi le film qui a donné à Meryl Streep son premier grand rôle au cinéma et nous a donné la dernière représentation du regretté grand John Cazale. —DF

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À la fois comédie noire et guide de la vie, le film culte bien-aimé de Hal Ashby met en vedette un chérubin Bud Cort dans le rôle d'Harold, un enfant privilégié sans direction qui passe ses journées à assister aux funérailles d'étrangers et à commettre de faux suicides pour une mère éloignée (Vivian Pickles). Il rencontre Maude (Ruth Gordon), une femme âgée et passionnée de funérailles qui possède une joie de vivre dont le morbide Harold ne peut que rêver. Au fur et à mesure qu'ils deviennent inséparables, l'enthousiasme de Maude devient contagieux, tempéré seulement par des allusions au chemin difficile qu'elle a suivi pour atteindre l'âge de 79 ans et la suggestion qu'elle n'a pas beaucoup de temps devant elle. D'une naïveté provocante et inspirante, c'est une comédie noire qui regarde le désespoir en face et ose rire. —KP

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Cette entrée remarquable dans la filmographie de Monty Python peut avoir l'une des plus grandes scènes finales de l'histoire de la comédie. La prémisse est que Brian Cohen (Graham Chapman) est né dans une étable à Jérusalem, juste à côté de celle où Jésus-Christ est né. Beaucoup d'hilarité s'ensuit et, sans dévoiler l'évidence, disons simplement que le destin de Brian n'est pas très différent de celui du fils de Dieu. Comme Eric Idle chante célèbre au messie réticent à la fin, "Toujours regarder le bon côté de la vie"; la chanson est depuis devenue un hymne national, Idle la reprenant aux Jeux olympiques de Londres en 2012. Tous les membres de Python sont formidables ici, et Sue Jones-Davies se démarque en tant que Judith Iscariot. Méfiez-vous d'une apparition de George Harrison, qui a financé Life of Brian via sa société HandMade Films. -M

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1er mai 1973 : un sergent de police arrive sur l'île écossaise isolée de Summerisle pour enquêter sur la disparition d'un enfant. Mais il se retrouve dans une étrange société païenne où les habitants dansent autour du mât, pratiquent d'anciens rituels celtiques et ont des relations sexuelles dans les champs. Robin Hardy a fait de The Wicker Man le cauchemar ultime de l'horreur folklorique, jusqu'aux dernières minutes dignes d'un cri. Edward Woodward est le flic chrétien tendu, consterné par la nudité sur cette île; Christopher Lee est l'affable Lord Summerisle, qui insiste : « Il faut toujours rester ouvert aux influences régénératrices. C'est une satire sombre des fantasmes post-hippie de "retour à la terre", où l'aubergiste est Lindsay Kemp (alias David Bowie et le vrai professeur de mime de Kate Bush) et sa fille lascive est la muse du rock Britt Ekland. La musique freak-folk de Paul Giovanni est devenue une partie de la légende du film – bizarrement, il n'y avait pas d'album officiel de la bande originale avant les années 1990, mais des morceaux comme "Willow's Song" sont devenus des classiques psych-prog extrêmement influents. (Comme l'a dit Luke Haines des Auteurs, "Chaque groupe britannique fait son album Wicker Man".) Des hommages comme Midsommar ne font que réaffirmer le pouvoir terrifiant de l'original. Chante, coucou ! —RS

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Cette production de National Lampoon a défini le modèle slobs-vs.-snobs qui définirait une grande partie de la comédie cinématographique pour les prochaines décennies, et était de loin le meilleur véhicule cinématographique pour les talents comiques prodigieux mais spécifiques du regretté grand John Belushi. En tant que Bluto Blutarsky, le membre alcoolique et sale (dans tous les sens) de la fraternité peu recommandable de Delta House, la star de SNL est une telle force de la nature que vous ne pouvez pas vous empêcher de le considérer comme son film, même si son compatriote Deltas Tim Matheson, Peter Riegert et Tom Hulce ont tous des rôles plus importants. Il est si charismatique que, lorsque Bluto demande au milieu d'un discours inspirant : « C'était fini quand les Allemands ont bombardé Pearl Harbor ? », personne ne veut l'interrompre pour s'expliquer. -COMME

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L'un des premiers grands films des années 1970 revient sur l'un des événements majeurs des années 1960 - et, à sa manière, sur l'éthos de toute la décennie. Le réalisateur Michael Wadleigh a dirigé une équipe de jeunes cinéastes (dont un Martin Scorsese au visage de bébé) à Bethel, New York, pour documenter le festival de musique et de paix d'août 1969; leur tournage était presque aussi chaotique que le festival lui-même, exécutant plusieurs caméras et exposant 50 miles de film pendant les représentations. Pourtant, ils ont recueilli des impressions et des idées des organisateurs, des participants et des résidents aveugles de Bethel en plus de capturer des artistes comme Santana, les Who, Crosby, Stills & Nash et Jimi Hendrix à leur apogée - et le résultat est un portrait à 360 degrés d'un événement culturellement marquant. Il est assemblé avec une immédiateté et une énergie cokéfiées - les vibrations sont exquises et les performances sont électrisantes. Alors qu'Altamont se situe entre le festival lui-même et la sortie du film, ce film-concert légendaire jouait déjà, dès ces premières projections, comme une nostalgie mélancolique. —JB

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Au cours de deux mois à cheval entre 1957 et 1958, un éboueur de 19 ans nommé Charles Starkweather a emmené sa petite amie de 14 ans, Caril Ann Fugate, dans une tuerie de Heartland qui a fait 10 morts et captivé l'imagination du public. L'histoire suggère un autre thriller amoureux en cavale comme Bonnie & Clyde, mais dans son premier long métrage, Terrence Malick part dans sa propre direction iconoclaste, ignorant la célébrité brouhaha pour se concentrer sur la relation entre Kit (Martin Sheen) et Holly ( Sissy Spacek) - l'un un graisseur antisocial avec un doigt qui démange, l'autre un enfant ennuyé qui pense qu'il ressemble à James Dean. L'intérêt de Malick pour le monde naturel tout au long de sa carrière donne à Badlands une qualité rêveuse et innocente qui contraste fortement avec les spasmes de violence choquants. —Scott Tobias.

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Dans un univers alternatif plus cool, le riff satirique de Brian De Palma sur le mythe du Fantôme de l'Opéra serait un phénomène de minuit au niveau du Rocky Horror Picture Show. Paul Williams (qui a écrit la plupart des chansons de cette comédie musicale culte) joue le rôle d'un producteur diabolique qui envisage d'ouvrir une nouvelle salle de concert avec une version opéra rock de Faust ; ses plans sont cependant contrecarrés par l'auteur-compositeur-interprète mutilé (William Finley) qui hante les lieux. De Palma a peut-être été au début de sa carrière, mais il a quand même déchaîné tout son arsenal d'astuces stylistiques – les écrans sont divisés comme des fous – et a montré une volonté de mordre fort sur la main qui le nourrit. -ST

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Dans la campagne espagnole de 1940, une fillette de six ans nommée Ana (Ana Torrent) se retrouve hantée par Frankenstein, un film dont elle a du mal à saisir le sens mais qui semble profond d'une manière qu'elle ne peut pas tout à fait comprendre. Après qu'Ana se soit liée d'amitié et ait aidé un soldat républicain qui s'est réfugié dans une bergerie en ruine, elle a investi Frankenstein d'un sens de sa propre invention, incorporant sa vision d'un monstre doux et incompris dans sa compréhension croissante de la mort, de la désillusion et des premiers mouvements de mécontentement. . Situé peu de temps après la fin de la guerre civile espagnole et l'ascension de Francisco Franco (et sorti dans les dernières années du régime franquiste), le premier film méditatif et visuellement luxuriant du réalisateur Victor Erice fonctionne à la fois comme une histoire universelle sur la fin de l'innocence de l'enfance et un barbelé représentation de la façon dont la complaisance a ouvert la porte à l'autoritarisme - et l'obligation de la génération suivante de la refermer. —KP

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Anticipant la vague visqueuse de nostalgie du graisseur qui imbiberait les années 70 de Fonz à Grease, le cinéaste George Lucas a écrit American Graffiti sur les jours heureux de 1962, l'année où il a eu 18 ans - lorsque des chats cool sillonnaient le Strip pour ramasser des poussins , course de dragsters, flics farceurs, et parler de détritus. Une distribution d'ensemble pointue qui comprenait Richard Dreyfus, Ron Howard, Harrison Ford, Cindy Williams et Paul Le Mat a fait ressortir l'ennui des adolescents de la petite ville des personnages alors qu'ils se préparaient à "enfin sortir de cette ville de dinde" (Howard's mots. ) Au milieu de tous les hi-jinks ("Votre voiture est plus moche que moi", dit Mackenzie Phillips, 13 ans), il y a aussi des moments de vrai cœur, comme la séquence de fin à grande vitesse. De plus, le film possède ce qui manquait à tous les imitateurs : Wolfman Jack. -KG

L'immédiateté et l'intimité sont des éléments cruciaux dans tant de grands documentaires, mais les débuts puissants de Barbara Kopple sont une classe de maître pour amener le public dans la vie de ses sujets, rendant leurs luttes aussi palpables que les nôtres. Elle nous emmène en première ligne de la grève tendue menée par les mineurs de charbon du Kentucky au début des années 1970, lorsqu'ils ont affronté la Duke Power Company, dirigée par le capitaliste monstrueusement insensible Carl Horn. Écartant les clichés condescendants sur la vie de la classe ouvrière, le film se présente comme un hommage au travail honnête, présentant la décence brutale des Américains ordinaires contraints de supporter des conditions minières dangereuses tout en étant à peine capables de garder la tête hors de l'eau financièrement. C'est émouvant dans sa simplicité - jamais plus que lorsque l'activiste et compositrice Florence Reece livre une interprétation puissamment spartiate de "Which Side Are You On?" – et aussi captivant qu'un thriller une fois que Duke Power commence à menacer la vie des grévistes. La caméra de Kopple est là pour capturer la terreur et le chaos. Il ne fait aucun doute de quel côté vous serez dans cette confrontation entre David et Goliath. —Tim Grierson

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François Truffaut a passé la majeure partie de son début de carrière à faire des films sur un jeune homme fou de cinéma (big up Antoine Doinel !) et/ou des films dédiés à imiter les styles de ses idoles d'auteur. En 1973, il a finalement abordé le sujet du cinéma lui-même – et nous a donné ce qui pourrait être la chronique la plus passionnée et poétique de la capture magique de 24 images par seconde. En commençant par son célèbre coup de grue d'ouverture, Day for Night (le titre lui-même fait référence à une astuce cinématographique illusoire) utilise un faux tournage de film pour tirer le rideau sur l'agonie et l'extase de raconter des histoires avec une caméra, une équipe et une notion arrogante du cinéma comme forme d'art. Pourtant, même lorsque le réalisateur à l'écran de Truffaut, Ferrand, a du mal à faire passer sa vision à l'écran ou à faire en sorte que ses stars (à savoir Jean-Pierre Léaud et Jacqueline Bisset) atteignent leurs objectifs, le film ne traite jamais le pur travail de réalisation comme rien de moins qu'un miracle. C'est à la fois un exposé sur la façon dont la saucisse cinématographique est fabriquée et une lettre d'amour à ceux qui sont assez courageux ou stupides pour faire des saucisses en même temps. —DF

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Ivan (Jimmy Cliff), personne qui rêve de célébrité musicale, revient à Kingston dans l'espoir d'être vu. Il enregistre un morceau de reggae, dont il est sûr qu'il sera un succès, intitulé "The Harder They Fall". Mais les structures de l'autorité - l'église, les disc-jockeys, la police - restent hostiles à cet étranger. Ivan devient un hors-la-loi après avoir assassiné un flic. Ironiquement, la notoriété le propulse au rang de célébrité. Le film rebelle de Perry Henzell a d'abord eu du mal à trouver un public: il jouait principalement des créneaux horaires de minuit, tandis que ses accents nécessitaient des sous-titres pour les salles américaines. Ce qui n'avait pas besoin d'être traduit, cependant, c'était la musique reggae et la bande originale du film - avec des succès séminaux comme la chanson titre, "Many Rivers to Cross" et "You Can Get It If You Really Want" - ont présenté les sites uniques de la Jamaïque, sons, et les gens du monde prêts à le dévorer. —RD

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Une véritable épitaphe pour les années 70 : "Cette vie est dure, mec. Mais c'est plus dur si t'es stupide !" Peter Yates a réalisé ce film de gangsters extrêmement influent et anti-glamour sur de petits escrocs irlandais à Boston – des gars comme Eddie "Fingers" Coyle (Robert Mitchum), un perdant fatigué du monde, qui débite des proverbes de rue comme "Jamais demande à un homme pourquoi il est pressé." Ces gars de la raquette sont des durs à cuire; personne ne les compare à l'empire romain. Yates a tourné sur place dans des restaurants, des bars de plongée, des pistes de bowling, avec un œil pour les détails locaux granuleux basés sur le roman de George V. Higgins. Le casting stellaire comprend Peter Boyle, Alex Rocco et le voleur de scène Steven Keats dans le rôle d'un capot arrogant à la Mick Jagger dans un Plymouth Road Runner de 1971. Eddie Coyle a été le premier des films de la mafia irlandaise de Boston – il y en aurait quelques autres d'où cela vient – ​​mais il n'a jamais été dépassé. —RS

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Bien avant que la "masculinité toxique" ne devienne de l'eau pour le moulin à réflexion, le réalisateur Mike Nichols a livré l'un des portraits les plus méchants d'hommes méchants jamais engagés dans le celluloïd. Travaillant à partir du scénario méprisant de Jules Feiffer, Jack Nicholson et "Arthur" Garfunkel jouent les copains d'université Jonathan et Sandy, chacun d'eux aspirant à de jolies étudiantes et manoeuvrant pour prouver leur fanfaronnade sexuelle. Susan de Candice Bergen devient la petite amie de Sandy relativement plus sensible, mais bientôt, intrigant, Jonathan la veut pour lui. Cela déclenche une étude de plusieurs décennies sur la cruauté, l'insécurité et la compétitivité de ces hommes, qui cible souvent des femmes innocentes (dont Ann Margaret, dont le rôle lui a valu à juste titre une nomination aux Oscars) assez malchanceuses pour croiser leur chemin. Impitoyablement agi et impitoyablement sombre, Carnal Knowledge tire ses rires sombres de la misère de Jonathan et Sandy, cette satire venimeuse se moquant joyeusement des ego masculins fragiles mis en péril par le mouvement de libération des femmes alors en plein essor. —TG

Vers le début du film de protestation de Melvin Van Peebles en 1971, l'interprète de sex-show Swwet Sweetback finit par tuer deux flics lorsque leur brutalité envers un activiste noir va trop loin. Cela place notre héros sur un chemin chimérique à travers le ventre de Los Angeles, où il rencontre des arnaqueurs, des travailleuses du sexe, des Hell's Angels et d'autres cochons racistes sur le chemin de la liberté au Mexique. L'attitude de loup solitaire du personnage reflète celle de Van Peebles lui-même, qui a abandonné un accord avec Columbia Pictures pour réaliser un long métrage indépendant brut et révolutionnaire à la fois dans la forme et dans le contenu. Il a fini par devenir l'un des films indépendants les plus réussis jamais réalisés, a contribué à donner naissance à un genre et a été cité par tout le monde, de Huey Newton à Spike Lee, comme un appel cinématographique aux armes. —KR

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En 1968, La Nuit des morts-vivants de George Romero a donné naissance au film de zombies moderne tout en prouvant, même accidentellement, que les essaims de morts-vivants pouvaient offrir un sombre reflet de l'époque qui les a créés. Une décennie plus tard, il était prêt à vraiment exploiter les possibilités sombres et satiriques des morts-vivants avec cette suite de son classique d'horreur. Lorsqu'un quatuor de survivants récupère un centre commercial de Pittsburgh au milieu d'une zone dangereuse de hordes de zombies, ils en font un paradis de consommation tout en faisant de leur mieux pour s'isoler du monde extérieur. Leur existence périlleuse sert de métaphore parfaite pour une décennie qui avait laissé derrière eux l'idéalisme des années 1960 et les limites des plaisirs matérialistes aveuglés – bien que Romero ne lésine pas non plus sur les zombies errants ou le gore choquant. —KP

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Le mélodrame punitif d'Ingmar Bergman est trempé dans le sang d'émotions négligées. Les cartes de titre d'ouverture sont rouge vif, tout comme les murs du domaine suédois du XIXe siècle où une femme, Agnes (Harriet Andersson), est en train de mourir d'un cancer. Ses deux sœurs, Maria (Liv Ullman) et Karin (Ingrid Thulin), l'attendent pour mourir, se perdant dans les souvenirs de traumatismes passés. Maria se souvient comment son infidélité a conduit son mari à se poignarder ; Karin admet des pensées suicidaires, pensant à un incident où elle s'est mutilée avec du verre. Quand son mari la voit, elle s'étale le sang sur le visage. L'œuvre de Bergman est remplie de plats psychologiquement chargés, mais peu sont aussi inconfortablement intimes et passionnants que celui-ci. -M

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Parlez d'un joyau perdu du cinéma des années 70, prêt à être redécouvert : le docudrame du scénariste-réalisateur Floyd Mutrux adopte une attitude sympathique, mais sérieusement inflexible face à la vie de junkie, invitant une poignée d'utilisateurs réels à recréer des scènes de notation, de vol et de grattage pour s'en sortir. Entre ces vignettes granuleuses, il a d'autres toxicomanes qui donnent des témoignages directs à la caméra. Tout cela brosse un tableau déchirant de la vie de rue à Los Angeles, qui se double d'un instantané des années soixante idéalistes glissant – ou plutôt, descendant en spirale – dans les années soixante-dix. Et l'incroyable utilisation par le film de la radio pop LA comme refrain grec constant sur la bande-son similaire de Quentin Tarantino dans Once Upon a Time… in Hollywood. —DF

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C'est une infirmière aux urgences de Los Angeles qui cherche à se venger après que sa sœur soit devenue accro à la drogue… et croyez-nous, vous ne voulez pas vous embêter avec elle. Parée d'un énorme afro et de talons plus hauts que plus hauts, Pam Grier nous donne rien de moins que la première super-héroïne noire, affrontant les proxénètes, les pousseurs, les flics véreux et les politiciens qui pourrissent les centres-villes américains. Avec de gros coups de poing, de larges coups de pied, un fusil à pompe scié et des doublures clignotantes livrées avec un cool débridé, Grier a montré que le jeu Blaxploitation-flick n'était pas réservé aux hommes. Les femmes noires pourraient aussi faire tomber le système. —RD

©20THCENTFOX/COLLECTION EVERETT

À la fois une histoire de passage à l'âge adulte drôle et réconfortante et un film sportif inspirant pour les outsiders, Breaking Away suit un quatuor d'amis cherchant une direction dans leur vie l'année suivant l'obtention de leur diplôme d'études secondaires. Dave (Dennis Christopher) est tellement désespéré d'échapper à sa vie déprimante de «cutter» (le surnom dérisoire que les sportifs de l'université voisine de l'Indiana donnent aux citadins) qu'il commence à parler, à agir et à rouler comme les grands cyclistes italiens qu'il admire. Finalement, lui et ses copains (y compris un jeune, jamais plus chaud Dennis Quaid en tant qu'ancien quart-arrière amer) se retrouvent à courir contre leurs rivaux universitaires dans le Little 500. Un beau film qui fonctionne à tous les niveaux, y compris un excellent travail de Paul Dooley et Barbara Barrie dans le rôle des parents aimants mais perplexes de Dave. -COMME

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Le drame de science-fiction énigmatique d'Andrei Tarkovsky, une adaptation libre du roman Roadside Picnic, est une quête épique qui concerne autant le voyage physique que le terrain psychique que les personnages traversent. Un homme connu simplement sous le nom de Stalker (Alexander Kaidanovsky) guide deux hommes - l'écrivain (Anatoly Solonitsyn) et le professeur (Nikolai Grinko) - à travers un paysage post-apocalyptique austère appelé la Zone à la recherche de la pièce, un royaume mystérieux dans lequel les souhaits des individus peuvent soi-disant être exaucés. Laissez les rythmes lents et méditatifs de ce film vous submerger – et la parabole ambiguë de l'histoire sur la religion, la mort et la renaissance se frayer un chemin dans votre esprit et votre âme – et Stalker apparaît comme l'une des métaphores les plus obsédantes de Tarkovsky pour la nature fragile et en quête de l'humanité. Ces trois hommes entrent dans la Zone en pensant qu'ils savent ce qu'ils vont trouver, seulement pour voir leurs attentes brisées. Quiconque rencontre Stalker saura exactement ce qu'il ressent. —TG

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Stanley Kubrick a suivi ses chefs-d'œuvre définissant l'esprit du temps Dr. Strangelove, 2001 et A Clockwork Orange avec cette adaptation de William Makepeace Thackeray – un drame historique littéraire qui, à certains égards, est à la fois son plus "normal" et son plus difficile. Ryan O'Neal joue un voyou irlandais intrigant qui a une série d'aventures épisodiques à travers l'Europe du milieu du XVIIIe siècle, observant de première main l'absurdité du système de classe européen alors qu'il tente de s'assurer sa place au sein d'une aristocratie sceptique. Les intérieurs éclairés aux bougies et les extérieurs crépusculaires sont étonnamment magnifiques, et le film prend son temps pour permettre aux spectateurs de vivre à l'intérieur pendant un moment, en expérimentant le rythme plus lent et la sauvagerie sociale d'un passé lointain. —NM

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La paranoïa et l'intérêt personnel lâche sont les forces motrices de cet étourdissant décousu du milieu des années 70, ancré par la chimie phénoménale entre les stars Peter Falk (Mikey, le responsable) et John Cassavetes (Nicky, le joker). Le film est techniquement un drame de gangsters, mais il est plus axé sur les personnages que ne le laisse entendre cette étiquette: il se déroule sur une seule nuit, alors que les personnages principaux volent dans le centre-ville de Philadelphie en essayant d'éviter le tueur à gages dont Nicky est convaincu qu'il est après lui. Le film mélange la comédie sardonique de la scénariste-réalisatrice Elaine May avec l'intérêt de Cassavetes pour la masculinité instable, se lançant avec un malaise purulent et construisant une acceptation résignée. Comme pour une grande partie du travail de May, des affrontements avec le studio ont conduit à des conflits dans les coulisses, et le résultat l'a fait atterrir dans la prison du réalisateur pendant une décennie. Il est maintenant considéré comme son chef-d'œuvre. —KR

COLLECTION EVERETT

La révolution sexuelle a-t-elle jamais semblé aussi épuisante (ou épuisée) que dans la satire de Hal Ashby sur les mœurs de la fin des années 60 ? Il n'est pas surprenant que George Roundy – un coiffeur à moto joué par l'écrivain-producteur-star Warren Beatty, riffant habilement sur sa propre réputation de haras en résidence de New Hollywood – soit capable de séduire de manière convaincante n'importe quel nombre de femmes de Beverly Hills au lit . (Je veux dire, cette tête de cheveux à elle seule est un sacré aphrodisiaque !) C'est la façon dont ce himbo semble être constamment perdu et distrait alors qu'il flippe de conquête en conquête, son sèche-cheveux glissé dans sa ceinture comme un flingueur. Le frisson est parti, sauf que la chasse continue encore et encore. Il y a une telle amertume délicieuse que Beatty et son co-auteur, Robert "Chinatown" Towne, donnent à cette farce de chambre Me Decade. Il peut se dérouler en 1968 à la veille de l'élection de Nixon, mais c'est vraiment un film sur la gueule de bois des années 70, les yeux troubles des retombées des nouvelles libertés. La distribution d'ensemble (dont Julie Christie, Goldie Hawn, Jack Warden, une très jeune Carrie Fisher et Lee Grant, qui a remporté un Oscar) est parfaite. Le film lui-même, pour citer George, est "génial, bébé. Tout simplement génial". —DF

AVEC LA COLLECTION EVERETT

Sylvester Stallone a écrit le scénario – à propos d'un boxeur qui n'a jamais reçu un combat pour le titre improbable contre le champion flamboyant Apollo Creed (Carl Weathers) – comme une vitrine pour une industrie qui n'avait apparemment que peu d'utilité pour lui. C'est devenu bien plus que cela, remportant l'Oscar du meilleur film pour 1976 (battant tous les hommes et le réseau du président), transformant Stallone en une star de la liste A et inventant essentiellement le genre de film sportif outsider tel que nous le connaissons aujourd'hui. Entre la partition entraînante de Bill Conti, les séquences d'entraînement et de combat mises en scène de façon mémorable par le réalisateur John G. Avildsen, et l'approximation étonnamment efficace de Brando par Stallone dans On the Waterfront, est-il étonnant que la franchise (sous la forme des films Creed) continue de fonctionner 50 ans plus tard ? -COMME

COLLECTION EVERETT

L'intrigue est simple : un patient psychiatrique masqué (Michael Myers) qui a déjà assassiné sa sœur (à Halloween, bien sûr) s'échappe pour un établissement psychiatrique. Il retourne dans sa ville natale et commence à poignarder les baby-sitters. L'histoire simple, ainsi que la performance de la reine des cris / bébé nepo Jamie Lee Curtis dans le rôle de Laurie Strode, ont fait de l'image à petit budget une superproduction surprise. Le film n'explique jamais pourquoi Myers se lance dans son déchaînement – ​​la trame de fond impliquant lui et Strode est venue plus tard dans les suites – et c'est le caractère aléatoire de celui-ci, associé à la cinématographie claustrophobe de l'image et à la partition décalée du réalisateur John Carpenter, qui a puisé dans les cinéphiles. vulnérabilité innée. Les victimes pourraient être n'importe qui, et quelque chose d'aussi horrible pourrait vous arriver. L'appel était clair (jeu de mots). -KG

© PARAMOUNT/COLLECTION EVERETT

Dans ce mélodrame d'une mélancolie enchanteresse, Richard Gere et Brooke Adams incarnent des travailleurs migrants qui prévoient d'escroquer un fermier mourant (Sam Shepard) de sa fortune, mais craignent d'être expulsés de son domaine idyllique s'il apprend la vérité. Le scénariste-réalisateur Terrence Malick décrit ce tragique triangle amoureux avec les mots d'une adolescente au ton dur (Linda Manz), qui raconte l'histoire sans vraiment la comprendre. La vision ironique et ironique du film sur la cupidité, le besoin et ce que "paradis" signifie vraiment est soutenue par certaines des images les plus visuellement saisissantes du cinéma des années 70, supervisées par les directeurs de la photographie Haskell Wexler et Néstor Almendros. Le résultat est un chef-d'œuvre singulier qui a tellement demandé à son créateur qu'il n'a pas fait d'autre photo pendant 20 ans. —NM

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Le documentaire de vérité d'Albert et David Maysles vous plonge aux côtés de Big et Little Edie Bouvier Beale – les parents de Jackie O qui, au moment où les cinéastes sont arrivés, vivaient dans la misère dans leur manoir des Hamptons. Les circonstances de l'existence des Edies telles que décrites dans Grey Gardens sont extrêmement sombres, mais les Maysles (et le public) sont également captivés par l'esprit irrépressible de Little Edie. Ses modes loufoques, ses numéros musicaux et ses mots de vocabulaire (voir: "fidèle") ont survécu dans les performances et les parodies de drag queen, mais le film donne un contexte à ses routines d'agitation de drapeau. Ils sont un acte de faire face à ce qui est essentiellement une situation condamnée et abusive. Ses bouffonneries sont drôles, oui, mais aussi remplies de chagrin et dans ce chagrin se trouve une image de ce que beaucoup croyaient être une grande famille américaine en déclin. —EZ

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On pourrait dire que Vol au-dessus d'un nid de coucou était lorsque Jack Nicholson, un acteur principal d'une complexité magnifique, s'est transformé en "Jack", une star souriante et oscarisée de la constellation hollywoodienne. Cette adaptation du best-seller de Ken Kesey en 1962 tourne autour de Nicholson dans le rôle du petit criminel Randle McMurphy, qui parle gentiment dans un hôpital psychiatrique de l'Oregon pour éviter de passer un mauvais moment pour agression. Il est dans presque toutes les scènes, déjouant Louise Fletcher en tant qu'infirmière Ratched, charmant d'autres patients comme Brad Dourif et Danny DeVito, et faisant l'amour avec intelligence au public. Même s'il n'explore pas les mêmes profondeurs hantées que des triomphes passés comme Five Easy Pieces et Chinatown, il éblouit toujours en se rebeller contre un système qui l'écrase inévitablement. -M

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Un couple britannique (Donald Sutherland et Julie Christie) perd sa fille unique dans un accident de noyade. Lorsqu'ils se rendent à Venise pour soulager leur culpabilité et leur chagrin, une série de meurtres en série s'empare de la ville. Qu'est-ce qu'une chose a à voir avec une autre ? Dans le thriller psychologique effrayant de Nicolas Roeg, ils sont tous plongés dans le même cauchemar, liés par un imperméable rouge et l'interaction troublante entre un passé que ce couple est impatient d'oublier et un présent qui leur rappelle sans cesse leur traumatisme. Le style de montage audacieusement associatif de Roeg porte ses fruits dans l'une des scènes de sexe les plus chaudes de l'époque – dans laquelle une séance d'amour est entrecoupée avec le couple remettant ses vêtements – et un véritable coup de cœur d'une révélation culminante. -ST

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Il y a des films qui puisent dans la paranoïa de l'époque – et puis il y a la mère de tous les thrillers complotistes d'Alan J. Pakula, centrée autour d'un journaliste (Warren Beatty) qui tombe sur un mystère impliquant le meurtre d'un sénateur éminent lors d'une apparition publique. L'agresseur correspond au profil traditionnel de l'assassin "loup solitaire"… seulement il semble s'y adapter un peu trop bien. Le fait que tous les témoins de l'événement soient rapidement retrouvés morts le rend d'autant plus suspect. Le muckraker de Beatty commence à tirer sur le fil et découvre bientôt une société qui peut ou non être responsable d'un certain nombre d'exterminations sanctionnées par l'État. Devinez qui a une cible sur le dos maintenant ? Réalisé une décennie après les conclusions de la Commission Warren sur l'assassinat de Kennedy et publié à la veille du Watergate, ce regard sur la façon dont les pouvoirs en place maintiennent leur position ne pourrait pas se sentir plus de son temps ou plus contemporain. Et la scène de lavage de cerveau, dans laquelle un fouillis d'images brouille le sens du bien, du mal et de soi d'un assassin potentiel, reste l'une des séquences les plus effrayantes des années 70. —DF

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Dites "films de kung-fu", et quelle est la première image qui vous vient à l'esprit ? Un Bruce Lee torse nu, la poitrine cicatrisée et les mains en position de combat. Après avoir passé du temps à la télévision en tant qu'acolyte du Green Hornet, la star sino-américaine s'est rendue dans l'est au début des années 1970 pour jouer dans une série de films pour la société de production hongkongaise Golden Harvest. Les résultats - The Big Boss (1971) et Fists of Fury (1972) - ont fait de lui un nom connu dans toute l'Asie. Hollywood voulait attirer la plus grande star du continent, alors une histoire sur un agent infiltré infiltrant le tournoi de combat d'un méchant infâme a été lancée pour lui. Le reste appartient à l'histoire. Enter the Dragon cimenterait l'héritage de Lee en tant que super-héros de la vie réelle, et voir l'homme traverser des dizaines d'hommes dans une rafale de poings, de pieds, de bâtons et de nunchucks, c'est comprendre comment il a transformé les arts martiaux en un phénomène mondial. . La bataille finale, dans laquelle Lee combat son ennemi juré aux griffes de métal dans une salle des glaces, reste un banger de tous les temps. —DF

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La plus brûlante des nombreuses collaborations à l'écran du cinéaste John Cassavetes et de l'actrice Gena Rowlands, ce drame volcanique reste l'un des grands portraits du démêlage mental et de la discorde conjugale. Rowlands joue Mabel, une mère du sud de la Californie qui tient à peine le coup, ce qui fait craindre à ses enfants et à son mari capricieux Nick (Peter Falk) qu'elle puisse enfin craquer à tout moment. Le réalisme désordonné et théâtral de Cassavetes n'a jamais été aussi puissant, permettant à sa brillante épouse d'explorer toute la douleur, la confusion et l'indépendance fougueuse de Mabel, la caméra essayant désespérément de suivre l'imprévisibilité passionnée de la star. Mais sous le chaos de surface de ce film se trouve un reflet compatissant et étroitement ciblé d'une époque où les femmes s'irritaient des restrictions patriarcales qui leur étaient imposées. Mabel et Nick se battent si violemment parce que, au fond, ils s'aiment si énormément – ​​Rowlands et Falk font chacun gémir angoissé et récriminer en larmes avec une force poignante. —TG

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La beauté des Rolling Stones est venue de leur adhésion hédoniste à la philosophie rock du sexe et du danger. L'horreur de ce documentaire vient de sa vision lucide de la puissance live cinétique du groupe, qui pourrait être à la fois hypnotique et terrifiante dans son intensité. Gimme Shelter est surtout connu pour sa finale glaçante – la mort de Meredith Hunter lors du spectacle gratuit des Stones en 1969 à Altamont – mais tout au long, les réalisateurs Albert Maysles, David Maysles et Charlotte Zwerin créent un sens envoûtant de l'énergie sombre du groupe, ce qui suggérait libération et nihilisme. Et le coup de réaction final de Mick Jagger est obsédant. —TG

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Un film peut-il encore être qualifié de comédie romantique s'il rend ridicule le fait de tomber amoureux ? Pour son deuxième film en tant que réalisatrice, l'influente comédienne d'improvisation Elaine May a livré une dissection impitoyable des mœurs et des rituels d'accouplement américains de la classe moyenne, basée sur une nouvelle de Bruce Jay Friedman et adaptée par le scénariste Neil Simon. Charles Grodin est hilarant, jouant le rôle d'un jeune marié qui pense avoir enfin trouvé son âme sœur (Cybill Shepherd) pendant sa lune de miel avec sa femme (Jeannie Berlin). À l'ère de l'amour libre, cette satire sociale mordante a brillamment usurpé la façon dont certains gars autorisés ont pris "si ça fait du bien, faites-le" comme une licence pour rendre les femmes misérables. —NM

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Aucun artiste n'a changé l'art de la comédie stand-up dans les années 1970 comme Richard Pryor, qui est passé d'un imitateur édenté de Bill Cosby au cours de la décennie précédente à un talent qui brise les tabous, une fois dans une génération, tout aussi et incroyablement honnête dans ses explorations des maux sociaux et des blocages personnels. Sa tournée de 1978 a été immortalisée sur film par le réalisateur Jeff Margolis, qui a capturé la bande dessinée à l'apogée de ses pouvoirs – et a fourni aux consommateurs de ses brillants albums des années 70 l'accompagnement visuel dont ils avaient besoin. Pryor ne se contente pas de raconter des blagues ou des histoires drôles ; il devient le sujet de son matériel, anthropomorphisé en chiens, chevaux, singes, pneus de voiture, ses enfants et (le plus dévastateur) les blancs. Pauline Kael l'a appelé "le plus grand de tous les films enregistrés", et elle n'avait pas tort. —JB

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Sans manquer de respect à la superbe version théâtrale de 167 minutes sortie aux États-Unis, mais l'exploration stupéfiante du maître suédois Ingmar Bergman d'un couple tombant amoureux atteint des sommets encore plus grands dans sa forme originale de mini-série de 281 minutes. Quoi qu'il en soit, Liv Ullmann et Erland Josephson donnent vie à leurs personnages malheureux, Marianne et Johan, articulant la douleur et le besoin de deux personnes qui, même après l'implosion de leur mariage et s'accrochant à de nouveaux partenaires, se retrouvent attachées l'une à l'autre. Bergman s'est inspiré du mécontentement qu'il a vu autour de lui - y compris dans ses propres relations ratées - pour raconter cette histoire impitoyable mais humaine, qui traitait le divorce comme un phénomène aussi passionnant que le coup de foudre. Malgré le mal qu'ils se sont causé, Marianne et Johan ont du mal à lâcher prise. Bergman comprenait sans doute par cœur leurs émotions compliquées. —TG

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Une atmosphère générale de stagnation imprègne le premier long métrage de Tobe Hooper en 1974 comme une odeur de viande pourrie. (Le décor du film, caractérisé par une insouciance naïve qui est très de son époque, aurait également senti assez mauvais.) Cette production indépendante a atterri dans des ciné-parcs exactement au bon moment, établissant le modèle pour le genre slasher émergent avec son conte de cannibales de l'arrière-pays – menés par le gros et grotesque Leatherface de Gunnar Hansen – pourchassant des adolescents hurlants à travers les broussailles de l'est du Texas. Il a également établi un archétype, sous la forme de la performance obstinée de Marilyn Burns en tant que "dernière fille" Sally Hardesty. —KR

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Le premier long métrage de David Bowie est arrivé à un moment opportun pour que le chanteur incarne quelqu'un qui n'est pas lié à la vie sur Terre mais qui risque d'être victime de l'attraction de la gravité. Réalisé à une époque où Bowie vivait avec un régime composé en grande partie de cocaïne, de lait et d'arcanes mystiques, ce film de Nicolas Roeg le présente comme Thomas Jerome Newton, un visiteur fragile d'une planète frappée par la sécheresse cherchant à faire fortune sur Terre. comme moyen de sauver sa planète natale et la famille qu'il a laissée derrière lui. Le matériau source, un roman de Walter Tevis, a utilisé sa prémisse pour explorer comment le génie est subsumé par la dépendance et d'autres plaisirs terrestres. L'adaptation de Roeg conserve ces thèmes tout en ajoutant des couches hallucinatoires qui transforment l'Amérique des années 70 en une fantaisie dans laquelle le passé et l'avenir continuent de s'effondrer dans le présent, comme on le voit à travers les yeux d'une créature qui croit à tort qu'il n'est qu'un visiteur – et non un prisonnier . —KP

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Le road-trip classique indépendant de Monte Hellman est le hot-rod noir existentiel ultime, mettant en vedette deux rock stars dans une Chevy 150 de 1955 : James Taylor est le conducteur, le batteur des Beach Boys Dennis Wilson est le mécanicien. Ce sont deux arnaqueurs hippies qui roulent dans une nouvelle ville, parcourent les spots de voitures musclées locales à la recherche de ventouses, puis se lancent dans une course de dragsters à gros enjeux. Laurie Bird est l'auto-stoppeur qu'ils prennent sur la Route 66. Warren Oates est l'étranger dans un GTO qui parle de leur voyage; dans une scène tendue, Oates les sauve des rednecks qui détestent les hippies avec une petite plaisanterie méfiante. ("Bien sûr, je vous ai parlé." "Bien sûr, je vous ai vu.") Pour Wilson et Taylor, c'était une seule fois au cinéma, mais ils sont tous les deux captivants. Si tout ce que vous savez de JT est son image "Sweet Baby James", son charisme maussade ici pourrait vous choquer – ce n'est pas une surprise que Joni Mitchell lui ait rendu visite sur le plateau et soit reparti avec les portraits de For The Roses. Two Lane Blacktop parle de courses que personne ne gagne, sur une route à laquelle personne ne s'échappe. —RS

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Robert De Niro est dans les films depuis si longtemps qu'il est facile d'oublier une époque où il était une jeune star nerveuse, imprévisible et presque dangereusement magnétique. Son introduction au ralenti à "Jumpin' Jack Flash" dans le film révolutionnaire de Martin Scorsese, se promenant dans un bar avec une fille sous chaque bras, est l'un des moments cinématographiques les plus galvanisants de la décennie, donnant le coup d'envoi d'une collaboration toujours bourdonnante de volatilité et d'explosif. potentiel. En tant que ne'er-do-well des coins les plus scuzzers de la Petite Italie de Scorsese, son Johnny Boy condamne le petit voyou de Harvey Keitel, qui ne peut s'empêcher de lui donner une seconde chance jusqu'à ce que le chaos qui le suit constamment les avale finalement. -ST

© ARTISTES UNIS/COLLECTION EVERETT

Méfiez-vous d'un saint imbécile. La satire fable de Hal Ashby nous offre Chance (Peter Sellars), un homme simple d'esprit qui aime les plaisirs simples, à savoir regarder la télévision et s'occuper du jardin de son tuteur. Il est bientôt contraint d'évacuer sa maison de longue date et, après une rencontre « fortuite » avec la limousine d'une riche mondaine (Shirley MacLaine), devient l'invité de et son mari magnat en phase terminale (Melvyn Douglas). Chance, le jardinier devient finalement "Chauncey Gardiner", un incontournable de la haute société de Washington DC ; son perroquet de slogans télévisés et de platitudes sur la plantation de rosiers est considéré comme une sagesse populaire politiquement avisée. Même le président des États-Unis (Jack Warden) commence à lui demander conseil. Le romancier et scénariste Jerzy Kosinki a clairement un os à choisir avec la culture des célébrités, l'influence de la télévision sur la vie quotidienne et les acteurs puissants si désespérés d'être appelés qu'ils confondront les propos inconscients d'un homme handicapé mental avec l'intellectualisme au niveau d'un groupe de réflexion. Pourtant, la gentillesse qu'Ashby et Sellars – en particulier Sellars – montrent à ce personnage contrebalance la quantité de cynisme affichée. La séquence culminante, jouée avec autant de désinvolture que possible, est encore assez casse-tête pour déclencher des arguments sur ce que voulait dire Ashby & Co. en ce qui concerne la partie "sainte" de l'équation. Ce que nous pouvons dire, c'est que c'est le genre de fin qui n'aurait pu se produire qu'à la fin de l'ère cinématographique des années 70, avant que la prochaine décennie ne mette à l'écart des choses comme la nuance et l'ambiguïté. —DF

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Pendant la première moitié des années 70, Hollywood a transformé les westerns, l'horreur, les images de gangsters et à peu près tous les autres genres de films B en quelque chose de sombre et socialement pertinent. Puis vint George Lucas avec une saga de science-fiction au rythme effréné, inspirée par les samouraïs, les super-héros et les pilotes de chasse de la Seconde Guerre mondiale. Son histoire sur un garçon de ferme gung-ho nommé Luke Skywalker (Mark Hamill), qui apprend les voies de la Force et aide à sauver la galaxie d'un empire oppressif, a lancé une franchise de plusieurs milliards de dollars et a changé toute l'industrie des superproductions. Et tout cela à cause d'une idée simple : et si quelqu'un appliquait l'intelligence, le savoir-faire et l'enthousiasme des films d'art à un divertissement qui plaît au public ? —NM

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Dès la première fois que vous voyez le reflet inquiétant du maître de cérémonie de Joel Grey, son visage peint dans les couleurs artificielles d'un clown, vous reconnaissez que le drame de Bob Fosse vous entraîne dans un monde souterrain pas comme les autres. Si All That Jazz est l'exorcisme personnel de Fosse, Cabaret est sa séance démoniaque, alors qu'il donne vie au monde de la République de Weimar lentement infectée par le nazisme. Le réalisateur reprend la mise en scène de 1966 sur une musique de John Kander et Fred Ebb, elle-même basée sur une pièce adaptée des histoires de Christopher Isherwood, et invente un nouveau modèle pour la comédie musicale du film. L'histoire de Sally Bowles (l'emblématique Liza Minnelli) opère sur deux plans d'existence : il y a le monde du Kit Kat Club, une sorte d'espace liminal pour les numéros musicaux, et le monde réel entre guillemets où l'hédonisme désinvolte de La vie de Sally cède la place au fascisme. C'est un film aussi effrayant que tapageur. —EZ

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Le 22 août 1972, trois voleurs de banque réels ont tenté de réaliser un braquage pour payer l'opération de changement de sexe de l'amant du cerveau John Wojtowicz. Ils ont fini par le bâcler. Pourtant, le cinéaste Sidney Lumet a vu l'attrait cinématographique de l'histoire et a eu le bon sens de confier Al Pacino et John Cazale, tous deux tout juste sortis des films du Parrain, dans des rôles principaux. Dog Day Afternoon ressemble cependant à plus qu'un film de braquage, car il montre de manière holistique toutes les erreurs (de la part des voleurs et des flics), ainsi que le chaos à la maison alors que la femme et la mère du personnage de Pacino réalisent ce qui se passe et son amant (Chris Sarandon) embrouille le fuzz. La tension monte alors que les voleurs gagnent les passants rassemblés à Brooklyn et charment les médias, menant à une finale sanglante et rapide. -KG

Avec ce triomphe précoce du cinéma africain, le réalisateur sénégalais Djibril Diop Mambéty a explosé sur la scène internationale en tant que disciple de Jean-Luc Godard qui a lié l'invention et l'expérimentation agitées de la Nouvelle Vague française à un conte régional spécifique de l'amour fou. Les jeunes amants de Touki Bouki, un vacher (Magaye Niang) avec une moto à cornes de taureau et une étudiante (Mareme Niang) de Dakar, en ont assez de la vie au Sénégal, alors ils mijotent des plans criminels pour amasser de l'argent pour se rendre à Paris. Leurs bouffonneries de hors-la-loi mènent à une course tendue et détournée de la justice, mais la nature épisodique de leur aventure donne à Mambéty la liberté de jouer avec les conventions de couleur, de mouvement et de road-movie, tout en offrant un récit de voyage dynamique du pays où ils sont si hâte de partir. -ST

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"C'était dommage que Marty ne soit pas gay", a plaisanté la productrice et ancienne petite amie de Scorsese, Sandy Weintraub, dans le récit juteux d'Hollywood des années 1970 de Peter Biskind, Easy Riders, Raging Bulls. "La meilleure relation qu'il ait jamais eue était probablement avec Robbie." Ce serait Robbie Robertson, le leader charismatique du groupe, que Scorsese a affectueusement commémoré dans ce documentaire de concert bruyant relatant la dernière performance du groupe.Combinant des interviews du groupe avec des images de leur spectacle de Thanksgiving de 1976 au Winterland Ballroom - avec des spots invités de Joni Mitchell, Bob Dylan, Neil Young, Van Morrison et Eric Clapton — The Last Waltz n'est pas seulement un hommage au quintet Americana mais aussi à une époque de rock classique qui sera bientôt balayée par le punk, le disco et le rap. du groupe obtient quelques instants pour briller (reposez en paix, Rick Danko, votre interprétation de "It Makes No Difference" est d'une beauté écrasante), mais l'adoration claire de Scorsese pour son vieil ami Robertson est palpable, lui donnant le feu des projecteurs à la fois sur scène et dans les segments d'entrevue. Le leader considérait son groupe comme mythique. The Last Waltz encourage les téléspectateurs à imprimer la légende. —TG

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Tout au long de sa carrière, le réalisateur italien Bernardo Bertolucci réalisera plusieurs films sur des personnages emportés par les forces de l'histoire (Le Dernier Empereur, 1900) - mais ce thriller étonnamment évocateur sur le fascisme qui s'est emparé de son pays pendant la Seconde Guerre mondiale se concentre sur les âmes passives qui le rendent possible. Dans le rôle de Marcello, membre de la police secrète de Mussolini, Jean-Louis Trintignant ne joue pas un fervent idéologue, mais un homme faible dont la mission d'assassiner son ancien professeur est entravée par un intérêt adultère pour sa femme (Dominique Sanda). Il y a peu de films de l'époque plus beaux à regarder, mais la véritable réussite de The Conformist est la façon dont il explore les intérieurs sombres de l'âme d'un Marcello. -ST

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Un cinéaste moindre que Steven Spielberg aurait peut-être tâtonné leur suivi de Jaws, mais quelle que soit la pression qu'il ressentait, il était totalement absent à l'écran. Rencontres rapprochées du troisième type est un mélange extrêmement confiant et exceptionnellement réfléchi de science-fiction et de drame familial, avec son avatar Jaws Richard Dreyfuss de retour en tant qu'électricien col bleu dont la vie est inextricablement modifiée par une rencontre extraterrestre. Au moment où il est sorti en salles à l'automne 1977, l'ami de Spielberg, George Lucas, avait changé à jamais la science-fiction (et les films en général) avec Star Wars cet été-là. Mais l'exploration émouvante de Spielberg de gens ordinaires rencontrant des événements extraordinaires est son propre genre de sensations fortes : réfléchie, épineuse, stimulante et impressionnante. —JB

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En décembre dernier, le magazine de cinéma britannique Sight & Sound a désigné Jeanne Dielman de Chantal Akerman comme le plus grand film de tous les temps, incitant une vague de cinéastes en herbe à diffuser ce classique féministe dès que possible. Ce qu'ils ont trouvé était une méditation séduisante de deux heures et demie sur la façon dont les tâches ménagères et le manque d'opportunités minent la vie des femmes – même une aussi industrieuse que Dielman de Delphine Seyrig, une mère et veuve qui tourne des tours pour un peu plus argent. Le film se concentre sur trois jours dans la vie de Dielman, mais l'effet durable est la façon dont le réalisateur belge manipule le temps et l'espace de l'appartement cloîtré, dessine des actes de tension incroyables aussi ordinaires que d'éplucher des pommes de terre et arrache la tragédie d'une vie ordinaire qui a mal tourné. -M

20TH CENTURY FOX LICENSING/EVERETT COLLECTION

Vous n'accuseriez pas le réalisateur/chorégraphe/divinité de Broadway Bob Fosse du crime de pudeur, pas plus que vous ne l'accuseriez d'être paresseux ou indifférent aux plaisirs hédonistes - c'était quelqu'un qui a fait preuve d'un génie créatif absolu, en a brûlé des dizaines des dizaines de ponts, et s'est brûlé au nom de la vie à 120 mph. All That Jazz parle de cette poursuite sans fin : des femmes, du travail, de l'inspiration et de l'oubli. C'est aussi le tribut que cela représente pour l'artiste, ses collaborateurs et ses proches. Joe Gideon de Roy Scheider travaille à la fois sur une comédie musicale de Broadway et sur un film sur une bande dessinée en même temps. (Toute ressemblance avec la production originale de Chicago de Fosse ou son biopic sur Lenny Bruce est, euh, complètement fortuite.) C'est un fils de pute qui ment, triche, fume à la chaîne et prend des pilules; le cinéaste écrit essentiellement son autobiographie à l'écran. Pourtant, il prend aussi une forme théâtrale qu'il a contribué à révolutionner et pousse encore plus loin ses qualités fantastiques au nom de l'autocritique. Seul Fosse aurait pu transformer une prise en compte de son style de vie autodestructeur en un portrait d'artiste, avec Jessica Lange dans le rôle de Death. Et seul Fosse aurait pu nous donner le numéro de clôture époustouflant de "Bye Bye Love", dans lequel Scheider et Ben Vereen partagent la scène avec des artères dansantes alors que notre homme soft-shoe se débarrasse de cette bobine mortelle. Cette dernière coupe ressemble toujours à une gifle froide au visage. —DF

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"Ça me va." Avec ce slogan marmonné - fait entre les bouffées d'une cigarette omniprésente - Phillip Marlowe (Elliott Gould) a exprimé la lassitude d'une génération pour qui la permissivité s'était transformée en cynisme. Il est sur la piste de ce qu'il soupçonne d'être le meurtre d'un vieil ami, bien que cette version du gumshoe de Raymond Chandler soit le dernier homme de principe dans le nid de vipères zoné des années 70 à Los Angeles. (Il est certainement le dernier à porter une cravate.) L'aura d'homme hors du temps de Marlowe reflète également l'équipe créative intergénérationnelle du film : The Long Goodbye a été écrit par Leigh Brackett (qui a adapté The Big Sleep pour Bogey et Bacall en 1946), et réalisé par Robert Altman, qui a décrit sa vision iconoclaste de l'anti-héros classique comme "un perdant sur toute la ligne". —KR

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Même après un demi-siècle, L'Exorciste reste le film le plus effrayant de tous les temps à cause de la façon dont Ellen Burstyn a dépeint l'impuissance d'une mère. Son personnage, l'actrice Chris MacNeil, réalise lentement que sa fille de 12 ans (Linda Blair) n'agit pas seulement de manière erratique - elle pourrait bien être possédée par le diable. Ainsi, Chris, épuisé, doit surmonter son agnosticisme et demander de l'aide aux prêtres alors que sa fille tourne la tête à 360 degrés comme un hibou, un projectile vomit de la soupe aux pois et lui poignarde l'entrejambe avec un crucifix. Les prêtres se sentent tout aussi impuissants, peu importe le nombre de fois qu'ils répètent : "La puissance du Christ vous oblige", et le pont qu'ils construisent entre la croyance et l'incrédulité fonctionne ainsi que tous les effets spéciaux de l'image (qui sont toujours choquants et visuellement époustouflants). ) en faisant du film d'horreur de William Friedkin un classique inégalable et intemporel. -KG

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"Je voulais une mission, et pour mes péchés, ils m'en ont donné une." Francis Ford Coppola avait initialement entrepris de transformer le scénario de John Milius - qui transposait le roman Heart of Darkness de Joseph Conrad dans le paysage du Vietnam en temps de guerre - en une épopée à l'ancienne. Il s'est retrouvé avec un rêve de fièvre cinématographique, rempli d'obsédés par le surf, de lapins Playboy tournoyants, de colonialistes français fantomatiques et de Marlon Brando en greenface. Martin Sheen reçoit l'ordre de s'enfoncer profondément dans la jungle et «d'exterminer, avec des préjugés extrêmes», un ancien béret vert devenu fou et qui s'est façonné en Dieu. Avec un équipage de bateau, il naviguera à travers certaines des images les plus surréalistes jamais réalisées dans un film de guerre à gros budget, jusqu'à ce qu'il atteigne l'enceinte de l'officier voyou. Et la merde devient vraiment bizarre. Le chaos à l'écran était plus que compensé par le chaos qui se passait dans les coulisses, et Coppola a déclaré que le film ne concernait pas le Vietnam, c'était le Vietnam. Pourtant, il reste à la fois un repère et un dernier souffle de l'auteurisme du Nouvel Hollywood, tout en encapsulant singulièrement la folie, la chute libre morale et l'horreur - l'horreur ! — de la vie en temps de guerre. Et bien qu'il soit disponible dans des recettes originales et extra-croustillantes, nous recommandons chaleureusement la récente "Goldilocks cut" comme version incontournable. —DF

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Le film le plus délicieux du légendaire réalisateur français de la Nouvelle Vague Jacques Rivette s'inspire d'Alice au pays des merveilles et d'Henry James, et finit par se transformer en un nouveau genre de film que personne d'autre n'aurait pu imaginer. Céline (Juliette Berto) est bibliothécaire ; Julie (Dominique Labourier) est une magicienne. Ils deviennent des âmes sœurs dès qu'ils se rencontrent dans un parc parisien, entrent dans l'imaginaire de l'autre et partagent leurs fantasmes les plus surréalistes. Ensemble, ils inventent leur nouvelle réalité au fur et à mesure, rêvant de se lancer dans une aventure où ils sauvent une petite fille dans une maison hantée. Le film est une lettre d'amour joyeuse à l'idée de l'amitié comme une folie à deux, un jeu minutieusement mis en scène et une méditation unique en son genre sur la façon dont les êtres humains peuvent se donner des pouvoirs magiques. Et malgré le temps passé à 3 heures et 20 minutes, c'est beaucoup trop tôt. —RS

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Filmé de manière discontinue sur plusieurs années, si le temps et l'argent le permettaient, le premier long métrage de David Lynch a annoncé l'arrivée d'un cinéaste pleinement formé – un cinéaste plus intéressé à pousser les téléspectateurs dans un territoire étrange de sa propre création qu'à les rencontrer sur un terrain familier. Henry (Jack Nance) est un homme timide vivant dans un désert (inspiré par l'époque où Lynch vivait dans un quartier industriel en décomposition à Philadelphie) et qui n'est absolument pas préparé aux responsabilités du mariage et de la paternité, toutes deux décrites par Lynch comme des cauchemars sombres et comiques d'où Henry ne pourra jamais s'échapper. Eraserhead affiche une pureté et la confiance de sa vision la fait maintenant ressembler à une source pour les films de Lynch qui ont suivi. Ses visuels saisissants, sa conception sonore agressive et son surréalisme décontracté et artisanal en ont fait un succès culte au plus fort du circuit cinématographique de minuit. —KP

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Monty Python avait fait progresser sextuplement la comédie des blagues de la vieille école, de la configuration et de la punchline vers un territoire plus étrange au moment où ils ont tenté un long métrage avec Le Saint Graal, qui est devenu un triomphe dans l'absurdité. Dans leur récit surréaliste de la légende arthurienne, le roi téméraire (Graham Chapman) n'a pas de cheval mais un laquais qui fait claquer des noix de coco ensemble, des chevaliers infâmes exigent… un bosquet et des détectives modernes enquêtent sur toutes les victimes du film. Et, au moins dans la réalité de Python, les Français sont toujours impolis. Le film n'était pas le blockbuster que ses financiers – Led Zeppelin, Pink Floyd et Ian Anderson de Jethro Tull – espéraient probablement, même si le manque de succès n'était "qu'une blessure à la chair". Il deviendrait un digne hit culte dont l'héritage ne cesse de croître (ahem, Spamalot). -KG

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Il est risqué de faire un film dramatisant un événement historique à peine quatre ans après qu'il se soit produit. Alan J. Pakula a non seulement prouvé que cela pouvait être fait, mais que vous pouviez le faire d'une manière qui pouvait résister à l'épreuve du temps. Nous en savons tellement plus maintenant sur l'effraction du Watergate qu'en 1976 lorsque All the President's Men a été publié pour la première fois, y compris l'identité de Deep Throat – et pourtant cela n'arrête pas le thriller de Pakula sur l'enquête révolutionnaire du Washington Post de Woodward et Bernstein de étant le chef-d'œuvre anxiogène que tant d'autres films de journalisme aspirent à être. Robert Redford (avec son air WASP élevé) fait de Bob Woodward le fleuron parfait pour l'énergie nerveuse de Dustin Hoffman dans le rôle de Carl Bernstein; ensemble, ils font de répondre au téléphone l'activité la plus excitante jamais réalisée à l'écran. Et aussi intemporel que soit cette procédure journalistique, c'est aussi l'un des films les plus typiques des années 70 – non seulement dans le sujet, mais dans la paranoïa qu'il dégage. —EZ

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Après que l'équipage du vaisseau spatial Nostromo soit sorti de stase de manière inattendue avant la fin prévue de leur voyage, ils se réveillent à peine avant que les plaintes ne commencent. Comme Dark Star (un autre film avec un crédit de scénario de Dan O'Bannon) avant lui, Alien offre une vision du voyage interstellaire qui est plus un travail quotidien qu'une merveille cosmique - jusqu'à ce que, c'est-à-dire, l'équipage prenne un passager inattendu sous la forme d'un créature parasite. Il commence par se nicher à l'intérieur d'un membre avant d'éclater de sa poitrine; puis il commence lentement, méthodiquement à éliminer les autres. Il s'avère que l'espace n'est pas un lieu éloigné de la lutte darwinienne. Le contraste entre le décor métallique, créé par l'homme (si grungy) d'Alien et un xénomorphe avec un impératif biologique de tuer n'est qu'un élément qui a fait de ce film de Ridley Scott se graver dans les cauchemars de tous ceux qui le voient. (La conception de la créature de HR Giger - un assemblage troublant d'os, de glu et d'images sexuelles - en est une autre.) Ripley de Sigourney Weaver commence le film comme l'un des nombreux personnages menacés par l'intrus du navire, à la fin du film, elle avait assurer sa place sur n'importe quelle liste restreinte des plus grands héros de science-fiction. La vie est pour les survivants. Même les xénomorphes le comprennent. —KP

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Pendant le temps d'arrêt entre les deux premiers films de Parrain, Francis Ford Coppola a réalisé un autre type de chef-d'œuvre, celui qui puisait dans l'ambiance paranoïaque du moment. Gene Hackman incarne Harry Caul, un expert en surveillance basé à San Francisco dont la dernière mission - écouter un couple se promenant dans un parc animé du centre-ville - présente un défi professionnel irrésistible et menace de l'entraîner dans un mystère mortel. C'est un thriller élégant, explorant comment les avancées technologiques détruisaient les limites de la vie privée ; et une représentation obsédante de l'aliénation et de la désintégration, dans laquelle Harry découvre que les murs qu'il a érigés pour se protéger du reste du monde peuvent, en fait, être un piège. —KP

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Beaucoup de gens auraient jeté un coup d'œil à la ville minière de l'église presbytérienne et n'auraient rien vu d'autre qu'un trou de merde frontalier. John McCabe, cependant, voit une opportunité. Avec une autre arrivée récente - une Britannique nommée Constance Miller - il établit un bordel de grande classe et répond aux besoins charnels de l'offre et de la demande des travailleurs et des habitants. Le modèle d'affaires réussi de leur duo attire l'attention d'une société minière qui veut les racheter. McCabe et Mme Miller déclinent l'offre. Ensuite, les choses deviennent violentes. La tentative de Robert Altman de faire aux westerns ce qu'il a fait aux films de guerre avec MASH est remplie des touches caractéristiques du réalisateur : une grande distribution d'ensemble, des dialogues qui se chevauchent qui semblent provenir de partout mais de nulle part, un zoom qui risque d'être confondu avec un Peeping Tom . Pourtant, son irrévérence habituelle s'accompagne d'un fatalisme que ni le vrai couple de stars de cinéma Warren Beatty et Julie Christie, ni les éclairs d'humour funky ne peuvent effacer. Il prend que la plupart des genres américains et brouille ses eaux (et ses images), célébrant un sens de la communauté improvisé et non-conformiste avant de le broyer sous le pied de l'establishment. La fin de partie est soit une brume alimentée par la drogue, soit la mort. C'est l'Amérique. —DF

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Le moment du Big Bang pour l'ère des superproductions, le phénomène d'horreur de Steven Spielberg reste une classe de maître dans la construction du suspense en attisant l'imagination du public pour une terreur qui se cache la plupart du temps hors de vue. Mais créditer Jaws de l'essor du divertissement à gros budget et axé sur les effets, c'est rater tout ce qui est génial: les célèbres luttes du cinéaste avec un requin mécanique ont alimenté une brillante stratégie consistant à taquiner la présence d'un Grand Blanc sans transformer les plages d'Amity Île dans un buffet macabre. Grâce à des plans de réaction aux yeux écarquillés, à une action hors écran et aux cordes menaçantes de la partition de John Williams, Spielberg rend les parties les moins chères les plus efficaces, s'établissant fermement comme le directeur de studio le plus naturellement doué de sa génération. Qu'il ait également changé le paysage du cinéma et ajouté une touche d'effroi aux vacances à la plage américaines était tout simplement un bonus. -ST

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Le chef-d'œuvre de Martin Scorsese est plusieurs choses à la fois : une étude de personnage précise, un portrait dévastateur de la solitude, un commentaire subtil sur les retombées psychologiques de la guerre du Vietnam, un film grindhouse sanglant, une comédie de bureau loufoque. (Tom d'Albert Brooks et Betsy de Cybill Shepherd étaient les Jim et Pam de leur époque.) Surtout, c'est un instantané de New York à son enfer urbain, tourné pendant l'été notoirement étouffant de 1975, au milieu d'une poubelle grève, manifestations policières et crise budgétaire (le titre "FORD TO CITY: DROP DEAD" a fait la une du New York Daily News cet automne-là). L'image de Scorsese revendique à la fois une stylisation immaculée et la vraisemblance que vous êtes là, concernant la Big Apple pourrie avec des parts égales de crainte et de terreur. Et la performance de Robert De Niro en tant que chauffeur de taxi dérangé Travis Bickle est toujours l'une de ses plus déchirantes. —JB

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Il y a beaucoup de films sur Hollywood, mais peu capturent le péché originel de Los Angeles avec une précision effrayante comme le néo-noir de Roman Polanski, qui se déroule dans les années 1930 et qui ouvre la terre aride de Los Angeles pour révéler le cloaque humain qui le conduit. Écrit par Robert Towne, le film suit Jake Gittes de Jack Nicholson, un détective privé sur ce qu'il pense être une simple affaire de mari infidèle. Au lieu de cela, il est entraîné dans le monde infernal de la politique de l'eau de Los Angeles, à la suite de la séduisante mais mystérieuse Evelyn Mulwray (Faye Dunaway), dont les secrets sont bien plus sombres que tout ce qu'il aurait pu imaginer. Towne et Polanski utilisent le crime de la façon dont la ville ravagée par la sécheresse a importé de l'eau par des moyens mal acquis pour disséquer la pourriture qui accompagne la cupidité. Les images semblent desséchées, l'éclairage dur associé au noir laissant place à une lumière presque oppressante. C'est un film qui vous donne l'impression d'être dégoûtant - comme si les gentils ne pouvaient jamais gagner. Et ce n'est que l'intention. —EZ

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S'il était né dans une autre famille, peut-être que la vie de Michael aurait été différente. Mais c'est un Corleone, et il n'y a qu'un seul chemin pour lui. Au cours des 50 dernières années, le premier chapitre époustouflant de l'épopée mafieuse indélébile de Francis Ford Coppola a été doté de tous les superlatifs. (Le film est si légendaire que sa réalisation a été transformée en une somptueuse mini-série Paramount +.) Et pourtant, vous n'êtes peut-être toujours pas préparé à l'éclat d'acier de la performance d'Al Pacino en tant que Michael, un homme qui insiste auprès de son véritable amour Kay (Diane Keaton) que il n'a rien à voir avec les autres membres de son clan mafieux. Pourtant, il est là, séduit par le pouvoir et l'obligation, rétablissant le statut de Corleone une fois que son père bien-aimé Vito (Marlon Brando) est abattu par leurs ennemis. À ce stade, les thèmes et les idées du Parrain ont été pleinement absorbés dans la culture – à tel point que même ceux qui n'ont jamais vu cette centrale électrique les connaissent par cœur. Mais regardez au-delà de l'exploration souvent louée (et toujours exceptionnelle) du côté obscur du rêve américain, et vous découvrirez un drame policier spectaculairement divertissant, moralement sérieux et sinistrement drôle qui est également l'un des passages à l'âge adulte les plus effrayants. sagas jamais faites. Aux côtés de futurs titans tels que James Caan et Robert Duvall, Pacino était un inconnu à l'époque, mais ici, il a marqué à jamais le cinéma américain. Le public a eu le souffle coupé en regardant l'horrible ascension de Michael sur le trône tout en étant ravi de voir l'un des plus grands acteurs de ce pays annoncer son arrivée. —TG

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Du générique d'ouverture de la parodie publicitaire au shilling omniprésent du candidat du "Replacement Party" Hal Philip Walker, le chef-d'œuvre de mi-carrière de Robert Altman parle de la vente de l'Amérique, avec l'attraction intersectionnelle de la célébrité, de l'argent, du sexe et de la politique sur scène dans la capitale de la musique country. Tout est terriblement contemporain – en particulier les "Tennessee Twirlers", des gardes de couleur d'âge scolaire qui tournent joyeusement des matraques en forme de fusil. Entre les drapeaux confédérés et les insultes raciales, il existe également de nombreux autres déclencheurs. Mais peu semble gratuit dans le scénario prismatique de Joan Tewkesbury. Et s'il est difficile de discerner la parodie de la sincérité dans la musique, créditez les acteurs auteurs-compositeurs, dont Ronee Blakely, Karen Black et Keith Carradine (qui figureraient sur la bande originale de "It's Easy"). À 180 minutes, avec environ deux douzaines de personnages importants, c'est un chef-d'œuvre de compression narrative digne d'une mini-série. —Will Hermès

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Charles Burnett a tourné son film phare Killer of Sheep alors qu'il était étudiant à l'UCLA – où il faisait partie d'un groupe de cinéastes noirs que le savant Clyde Taylor a plus tard qualifié de LA Rebellion – et l'a terminé dans le cadre de sa thèse de maîtrise. Il l'a tourné dans une cinématographie en noir et blanc austère mais merveilleuse et l'a centré sur la plus simple des intrigues : Stan, joué par l'acteur Henry G. Sanders, travaille dans un abattoir, un travail qui lui laisse peu d'énergie pour s'occuper d'un homme aimant mais frustré. épouse interprétée par le regretté acteur Kaycee Moore et leurs deux enfants capricieux. Une poignée de scènes font avancer le film de 80 minutes, y compris une séquence où Sanders et son ami Eugene (Eugene Cherry) tentent d'emmener leurs partenaires lors d'une excursion d'une journée bien méritée sur le circuit, seulement pour que leur voiture tombe en panne à mi-chemin . Mais Burnett s'intéresse moins à la narration conventionnelle qu'à l'illustration de sa ville natale de Watts, une communauté ouvrière toujours marquée par les émeutes de 1965 et animée par des enfants inventifs, des adultes fatigués mais résolus et des délits mineurs occasionnels. Il remplit le cadre d'acteurs non formés cueillis dans le quartier, menant à des moments célèbres comme un boisseau de garçons sautant sur les toits d'appartements avec peu de soin dans le monde, se moquant et jouant avec pratiquement rien d'autre que de l'esprit. -M

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Dans la gueule de bois Vietnam/Watergate des années 1970, chaque mouvement américain ressemblait au dernier acte d'un homme désespéré. Mais Mel Brooks s'en fichait qu'il s'agisse du premier acte d'Henry V. Sa parodie de westerns est un burlesque révolutionnaire de l'histoire des États-Unis, présentant le vieil ouest comme un spectacle burlesque de racistes, de barons voleurs, de crétins, de demi-esprits, d'imbéciles. , et méthodistes. Cleavon Little est Black Bart, le nouveau shérif afro-américain de la ville de Rock Ridge. Gene Wilder est son acolyte cow-boy juif, le Waco Kid. Ensemble, ils piétinent les mythes les plus chers de l'exceptionnalisme américain - même les douces vieilles dames sont des fanatiques haineuses. C'était la première fois que Richard Pryor se trouvait dans une salle d'écrivains, où il a en grande partie créé Bart; sa passion favorite, cependant, était Mongo, l'homme fort d'Alex Karras. (C'est Pryor qui nous a donné "Mongo seul pion dans le jeu de la vie".) Madeline Kahn - une chanteuse virtuose qui avait fait ses débuts à Broadway dans Kiss Me Kate - joue la séductrice de saloon sourde Lili Von Shtupp, avec son tragique se lamenter, "Je suis fatigué." Brooks était déjà une légende de la comédie, depuis le classique télévisé Your Show of Shows, mais c'est vraiment là qu'il a gagné son laurier (et une poignée de main chaleureuse). Près de 50 ans plus tard, Blazing Saddles est toujours le candygram explosif du cinéma des années 70. —RS

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C'est la réponse de facto à "quelles suites sont aussi bonnes ou meilleures que les originaux?" et l'un des rares suivis d'un film oscarisé qui finirait également par décrocher le prix du meilleur film. Penser à la suite de Francis Ford Coppola de la saga Corleone comme une simple "partie II", cependant, c'est donner à la fois le film et son créateur. Le scénariste-réalisateur n'avait même pas envie de faire une suite à son succès à succès; il subissait tellement de pression de la part de ses producteurs et du studio pour répéter le succès de son film de gangsters qu'il a essentiellement reçu une offre qu'il ne pouvait pas… eh bien, vous savez. Heureusement, il avait un as dans sa manche. "J'avais l'idée de faire un film sur un homme et son fils et d'essayer de comparer leurs histoires alors qu'ils avaient tous les deux le même âge", a déclaré Coppola il y a plusieurs années. "C'était juste cette idée que j'avais qui flottait… totalement à part du premier film du Parrain. Mais j'ai pensé que ça pourrait marcher pour ça."

Ce que le cinéaste a réussi à accomplir en entremêlant les histoires du jeune Don Corleone (interprété par Robert De Niro) cherchant fortune au début des années 1900, et de l'aîné Michael Corleone (Al Pacino) consolidant son empire à la fin des années 1950, n'est rien. bref miraculeux. Nous voyons les débuts de ce qui deviendra une dynastie criminelle, formée par des immigrés comme moyen de protection et de renforcement communautaire. Nous voyons également ce qui est arrivé à cette dynastie alors que l'actuel responsable de Corleone sombre dans la paranoïa et se coupe du monde qui l'entoure. Et l'endroit où nous laissons les deux histoires, avec un patriarche rentrant à la maison pour un dîner de fête et l'autre complètement seul, assis au sommet d'un royaume de poussière, en dit autant sur le caractère conflictuel de notre nation que l'original sur l'expérience américaine.

Comme le premier Parrain, Partie II livre des performances incroyables (notamment les rusés Hyman Roth de Lee Strasberg et John Cazale, dont Fredo est particulièrement déchirant cette fois-ci), des scènes inoubliables d'ironie et de violence, une abondance de répliques citables ("Nous sommes plus grands que acier américain"). Ce dont vous vous souvenez le plus, cependant, c'est la façon dont il trace l'écart entre son "alors" optimiste et son interprétation cynique et caustique du "maintenant". Il était une fois en Amérique, un homme faisait ce qu'il devait pour s'occuper de sa famille. Une génération plus tard, un homme tuait ses proches pour protéger « l'entreprise » familiale. Les costumes avaient demandé une répétition et une suite. Au lieu de cela, Coppola leur a donné une saga en miniature et une grande tragédie américaine écrite en sang et en larmes. —DF

De Rolling Stone US.